Sans Mots

Ich betrachte die Bilder in Caroline Walkers Ausstellung Windows, die vom 28. August 2021 bis 28. November 2021 im Kunstmuseum KM21 in Den Haag zu sehen war. Den Titel ihrer ersten Solo-Ausstellung erklärt die schottische in London lebende Künstlerin (geb. 1982) wie folgt:

“The window has been a motif in my work for at least ten years or so. Primarily it’s a compositional device that literally frames what I want a viewer to look at. In a lot of my paintings there’s always something you have to look through or past to get to the subject of the work. You’re almost like a voyeur I suppose, looking in on others lives.”

So ist auch das Leitmotiv der Ausstellung das Fenster: „a classic motif in art, which also serves as a metaphor:

"the painting as a window on the world or a window as a reflection of reality.”

Einige der Bilder bieten nicht nur metaphorisch, sondern tatsächlich einen (Ein-)Blick durch ein Fenster in das Leben der dargestellten Frauen. Denn diese sind es ,mit denen sich Walker auseinandersetzt. Die 20 Bilder sind eine Einladung innezuhalten und zu reflektieren, wie wir auf andere Menschen und insbesondere Frauen blicken. 

Zunächst fällt es mir gar nicht auf, dass die Frauen auf den Bildern Masken tragen, so sehr ist die Pandemie bereits zur alltagsgestaltenden Normalität geworden. Ein anderes Bild zeigt Walkers Nachbarin, die mit ihrem Hund während des Lockdowns zu Beginn der Pandemie spazieren geht. Das Bild macht die Enge und Begrenzung, die vor allem Stadtwohnungen mit sich bringen, sichtbar und zugleich erfahrbar. 

In einem Interview weist Walker explizit darauf hin, dass die Pandemie einmal mehr gezeigt hat, dass Berufe, in denen vorrangig Frauen arbeiten, essentiell sind: Carearbeiter:innen wie Krankenpfleger:innen oder Erzieher:innen aber auch Verkäufer:innen. Sektoren, die weiblich dominiert sind, in denen zugleich prekäre Arbeitsverhältnisse herrschen waren jene, die die Versorgung in der Pandemie sichergestellt haben und dies nach wie vor tun.

So spiegeln Walkers Bilder nicht nur die aktuelle Corona-Pandemie wider, sie dokumentieren die Rolle der Frau in der Gesellschaft. 

Denn bereits vor der Pandemie hat sich Walker insbesondere mit Frauen und ihrer Arbeit auseinandergesetzt. Anders ausgedrückt der frauenspezifischen Arbeit. Insbesondere seit 2016 inszeniert Walker ihre Bilder nicht mehr, sondern hat einen dokumentarischen Stil entwickelt. So besuchte sie bewusst Frauen in ihrer (Arbeits-)Umgebung und lernte sie persönlich kennen, bevor sie ihre Portraits anfertigte. 

Aus dieser Serie stammen beispielsweise die Bilder einer geflüchteten Frau, in ihrer neuen, eigenen Unterkunft. Ebenso wie jenes einer Putzkraft in einem Hotel. In einem Interview erzählt sie, wie sie sich während des Malprozesses dem Privileg, das sowohl ihre Mutter als auch sie selber haben, bewusst geworden ist. Während die vorigen Generationen an Frauen ihrer Familie selbst als Putzkräfte gearbeitet haben und für das Putzen fremder Häuser bezahlt wurden und zusätzlich noch unbezahlt das eigene Haus geputzt haben, müssen ihre Mutter und sie nicht mehr gegen Bezahlung fremde Häuser putzen. So finden sich in der Ausstellung auch sehr persönliche Bilder, in denen Walker ihre Mutter, Schwester sowie ihre eigene Tochter in ihrer häuslichen Umgebung zeigt.

Während einige von Walkers Bildern eine bewusste Beschäftigung mit einzelnen Personen darstellen, sind andere eine voyeuristische Momentaufnahme.

Es sind Blicke in Friseursalons oder ein Hochzeitsmodegeschäft, die Walker realisiert. Spannend ist der Kontrast der realen Frauen und den Modepuppen und Werbeanzeigen, in denen Frauen dargestellt werden. Während es im echten Leben passieren kann, sich in medialen Illusionen idealisierter Frauen zu verlieren, passiert es mir mit Walkers‘ Bilder nicht. Im Gegenteil, gerade dieser Kontrast lässt mich mit den echten, nicht unbedingt idealtypischen Frauen sympathisieren. Jene sind es mit denen ich mich identifizieren kann und auch will.

Caroline Walker gelingt es mit ihren Bildern nicht nur die häufig als unsichtbar bezeichnete Arbeit, welche vorrangig von Frauen erledigt wird, sichtbar zu machen. Sie schafft es auch, mich dazu anzuregen, mich mit den Frauen auseinanderzusetzen. Mich zu fragen, wer sie sind, ganz unabhängig von der Arbeit, die sie auf den Bildern teilweise verüben. Wovon träumen sie genau in diesem Moment? Worüber unterhalten sie sich? Was ist ihre individuelle Geschichte?

Es gelingt Walker, also nicht nur Arbeit sichtbar zu machen, die häufig verborgen bleibt oder bewusst nicht gezeigt wird, sie gibt dieser Arbeit Gesichter.

Statt der Dienstleistung steht das Individuum im Vordergrund, mit welchen die Bilder einladen zu sympathisieren. 

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Leni lebt aktuell in Frankfurt, von wo aus sie ihren Master in Ökotrophologie beendet. Zuvor hat sie anderthalb Jahre in Bologna gelebt und studiert. Neben Essen und Italien, liebt sie den Sommer und die Natur. In ihrer freien Zeit verliert sie sich gerne in Büchern oder auch schnell mal in eigenen Gedanken und Grübeleien. Ihre aktuelle Obsession ist Sally Rooney. In ihren eigenen Texten setzt sie sich oft mit alltäglichen Erfahrungen und Beobachtungen auseinander. Denn gerade diese sind es, mit denen Beziehungs- und Gesellschaftsstrukturen aufgezeigt werden können.

Viele Menschen fragen uns, wieso es so wichtig ist über Kunst nachzudenken, von ihr zu lernen und vor allem über sie zu sprechen. Ob es denn nicht ein „unnötiges Luxusgut“ sei, vorbehalten für all die, die „keine anderen Probleme hätten“? Kommt Euch das bekannt vor? Mit den gleichen Worten wird oft argumentiert, wenn es in der öffentlichen Diskussion um mentale Gesundheit geht.

„Ah, etwas zusammenreißen und weiter geht’s. Anderen geht es schlechter und ich kann es mir nicht leisten mich mit meinen „Luxusproblemen“ zu beschäftigen.“ - Wer hat diese oder ähnliche Gedanken nicht schon einmal gehört oder sogar selbst gehabt? Wieso fällt es uns so verdammt schwer über mentale Gesundheit zu sprechen? Wieso ist dieses Thema für viele Menschen immer noch immer noch „ungreifbar“ oder gar eine Art Tabuthema? Und wieso gehen wir häufig davon aus, dass dieses Thema, ähnlich wie die Auseinandersetzung mit Kunst, nur ein unnötiges Luxusgut ist?

Bevor wir vor 23 Jahren nach Deutschland kamen, hatten wir wenig, oder besser gesagt nichts, mit Kunst zu tun. Hier in Deutschland fand Anjelika schnell ihren Weg ins Museum und damit auch ins Studium der Kunstgeschichte. Auch wenn zunächst weniger freiwillig, folgte Karina in die Ausstellungshäuser und lernte schnell, Kunst zu sehen und zu lieben. Aus unserer persönlichen Erfahrung wissen wir, dass wir Kunst brauchen, um das innere Gleichgewicht zu erlangen. Manche gehen in den Bergen wandern, wir gehen ins Museum. Das innere Loslassen, das wertfreie Betrachten, die stille Freude und das überkommende Glücksgefühl kennen wir in dieser Intensität ausschließlich aus der Begegnung mit Kunst. Wieso zieht es uns also in Zeiten mentaler Erschöpfung zur Kunst? Ist es eine persönliche Präferenz oder belegbare Tatsache?

Tatsächlich ergeben Studien, dass regelmäßige Museumsbesuche enormen Einfluss auf die Lebensdauer und Lebensqualität haben.

Es wurde nachgewiesen, dass der Besuch von Kunstausstellungen und ähnlichen Veranstaltungen Risiken unterschiedlicher Krankheiten einschränkt und die Sterblichkeitsrate bei Erwachsenen senkt. Die Forschung legt sowohl neurologische und psychologische Studien vor, die alle den Einfluss von Kunst auf das Wohlbefinden der Menschen belegen. Dies bedeutet also, dass sich Kunst sowohl auf den Geist als auch auf den Körper der Besuchenden auswirkt.

Natürlich schleppen wir uns bei einer Grippe nicht ins Museum, aber wenn wir wieder mal aus der Mitte fallen, Zweifel hegen und nicht mehr weiterwissen, gehen wir in eine Ausstellung. Kunst ist unsere Therapeutin, die uns weiterhilft. Aber jede:r, der schon einmal in Therapie war, weiß dass es auch unangenehm werden kann.

Ähnlich wie eine Therapie muss und soll Kunst nicht immer schön und beruhigend sein. Würden wir uns immer nur an der seichten Oberfläche bewegen, könnten wir nie in die Abgründe schauen, die hinter der stillen Schönheit lauern.

Häufig erleben wir bei unserer Arbeit mit Gruppen, dass Besucher:innen davon getriggert werden. Ein und dasselbe Werk kann bei verschiedenen Betrachter:innen unterschiedliche, ja gegensätzliche Reaktionen auslösen.

Das großformatige Gemälde von Rupprecht Geiger in grellen Rot – Pink- und Orangetönen stellt für die meisten Besucher:innen der Neuen Galerie in Kassel etwas durch und durch Positives dar: ein Sonnenuntergang, Wärme, Licht, Hoffnung. Dennoch gibt es Besucher:innen, die das Bild nicht ansehen können, da es für sie zu viel, zu intensiv, zu brutal oder gar hässlich ist.

„Was sich der Künstler dabei gedacht hat“ ist nebensächlich und die Reaktion des Publikums auf sein Werk liegt außerhalb seiner Kontrolle. Das Erleben eines Kunstwerks macht etwas mit uns und unserer Psyche. Ob wir es wollen und uns zugestehen, oder nicht. Selbst wenn wir eigentlich keine Lust auf einen Ausstellungsbesuch haben, uns dabei langweilen oder den ausgestellten Künstler blöd finden, löst es in uns eine Reihe psychischer und emotionaler Reaktionen aus. Während einer Führung erwähnte eine Dame kürzlich, dass sie die zeitgenössische Kunst rasend machen würde. Sie nannte einige Gründe für ihr Empfinden und gab die Frage an uns zurück. Wie stehen wir zu zeitgenössischer Kunst? Aber die einzig relevante Frage ist doch, wieso sie von ein wenig Farbe auf Leinwand aus ihrem Gleichgewicht gebracht wird? Wem gilt ihre Wut wirklich?

Dass die Kunst Menschen nicht nur entzückt, sondern auch Unbehagen bereitet, ist nicht neu und keineswegs ein Phänomen der zeitgenössischen Kunst. Die Moralisten regten sich damals wie heute über die Zügellosigkeit mancher Sujets auf. Viel härter und lauter fiel die Kritik aus, wenn ein Werk nicht auf Anhieb verstanden wurde.

Edward Munchs „Der Schrei“ von 1893 gilt heute als Ikone der Moderne. Sein zutiefst sensibles Werk berührt Menschen auf der ganzen Welt und ist gleichzeitig Teil der heutigen Popkultur, das auf Memes, T- Shirts und Postern in der ganzen Welt zu sehen ist. Dabei malte Munch häufig nichts anderes als seine eigene Realität. Von Jung an war er mit den belastenden Zuständen, innerer Zerrissenheit, ständigen Selbstzweifeln und Depression bestens vertraut.

Dies und nichts anderes übertrug er in grellen Farben und expressiven Formen auf die Leinwand. Ein Mensch, von dem archaischsten aller Gefühle geplagt – der Angst. Munchs Genie und „Verbrechen“ bestand darin, dies nicht unter dem „schönen Schein“ zu verbergen, sondern das Innerste nach Außen zu kehren und zur Schau zu stellen. Was daraus wurde, kann man erahnen.

Die erste Munch-Ausstellung in Berlin (Munch Fall, 1892) verursachte den größten Skandal, den die Kunstwelt in Deutschland bis dahin erlebt hatte. Im untergehenden Kaiserreich mit der „alles unter den Teppich kehren“-Mentalität war seine „schonungslose Kunst“ zu viel. In jener Zeit, in der das Innenleben mit aller Gewalt unter Verschluss gehalten und das Abweichen von der vorgeschriebenen Norm als krankhaft gedeutet wurde, wollte und konnte ein Großteil die Werke des Künstlers nicht sehen.

Damals, als die Erforschung der menschlichen Psyche noch in Kinderschuhen war, legte Munch den Grundstein für die Künstler:innen, die fortan ihr Inneres nach außen kehren würden.

Zu seinen Lebzeiten war das Publikum noch nicht darauf vorbereitet. Beim Betrachten Munchs düsterer Bilder schien das längst Verdrängte jedes Einzelnen an die Oberfläche zu kommen und man hielt es schier und einfach nicht aus. Zu groß war die Gefahr den eigenen inneren Dämonen zu begegnen. Die Ausstellung wurde zu einem ungeheuren Skandal und nach nur einer Woche geschlossen.

Aber mal ganz ehrlich: Waren es wirklich die Malweise, das Sujet oder der Farbauftrag, die das Publikum, die Kunstkritiker oder Malerkolleg:innen so wütend machten? Ob in der Kunst oder im täglichen Dasein sollten wir uns öfter die folgende Frage stellen: Warum macht mich ein schwarzes Gemälde, ein Fettfleck, die entstellte Skulptur, eine Performance traurig, sauer oder wütend? Liegt es WIRKLICH an dem was ich sehe, oder an dem was ich in mir nicht sehen will? Denn am Ende gilt: Ob im Museum oder in der Therapie, im Grunde genommen begegnen wir immer wieder nur uns selbst.

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Anjelika und Karina sind Mutter und Tochter, Kolleginnen aber vor allem begeisterte Kunsthistorikerinnen. Neben Kunstgeschichte studierte Anjelika Soziologie und Psychologie und Karina Vergleichende Kultur- und Religionswissenschaften. Nach jahrelanger Arbeit für unterschiedliche Museen gründeten sie Anfang 2020 KUNST + kaviar. Sie sind der festen Überzeugung, dass Kunst kein elitäres Luxusprodukt sei und dass jeder Mensch Freude an Kunst haben kann. Gemeinsam widmen sie sich unterschiedlichen Themen, hinterfragen die häufig sehr männlich geprägte Kunstgeschichtsschreibung und versuchen auch die Menschen für Kunst zu begeistern, die sich nicht zum klassischen Museumspublikum zählen.

Der erste gänzlich mit Öl gemalte Film: Loving Vincent.

Die innovative Filmproduktion