Sans Mots

Einen "außergewöhnlichen Stilisten", nannte der Independent den ehemaligen Strafverteidiger und vielfach ausgezeichnete Schriftsteller. Der Daily Telegraph bezeichnete ihn als "eine der markantesten Stimmen der europäischen Literatur". Ferdinand von Schirach würde vermutlich schmunzelnd und sich duckend entgegnen, dass es sich wohl um eine Verwechslung handeln müsse, dankend nicken und nach seiner Kaffeetasse greifen. Nach Erzählbänden wie "Schuld" und "Verbrechen", seinen Romanen "Der Fall Collini" und "Tabu", sowie seinem Theaterstück "Terror" erschien das nun wohl persönlichste Werk Ferdinand von Schirachs.
"Mark Twain soll gesagt haben, dass er auf den Himmel verzichte, wenn er dort nicht rauchen dürfe. Er hatte recht", schreibt von Schirach, für den eine Zigarette mehr ist als ein Laster: Ein regelmäßiges "memento mori", die Erinnerung des eigenen Daseins im Tod. "Kaffee und Zigaretten" ist eine nüchterne Verwebung an Einzelstücken: Beobachtungen, die kommentarlos verweilen, biographische Einblicke, Notizen aus Rechtsfällen, subtile Begegnungen, absurde Erfahrungen und Nachdenken über die Einsamkeit des Menschen, über Melancholie und ironischer Spiegelung. 

Vor wenigen Menschen habe ich so viel Respekt wie vor dem so hochgradig intelligenten und doch bescheidenem Schriftsteller, der von sich selbst sagt, er habe keine sonderliche Begabung darin, glücklich zu sein. Als ich vor wenigen Wochen in Düsseldorf eine seiner Lesungen im Schauspielhaus besuchte, war ich vollkommen überwältigt von den klugen Worten dieses Mannes und war nur noch beseelter, als ich mich traute, mit ihm zu sprechen und mein Buch von ihm signieren zu lassen. Fast schon zu viel, denke ich manchmal. Kennt noch jemand diesen Gedanken, dass es Menschen gibt, die man für sich so sehr auf ein Podium erhebt, dass es sich fast falsch anfühlt, dass man ihnen nahe kommt? Weil Welten aufeinandertreffen, man sich ansieht und von Schirach ebenso mich, wie ich ihn, er über einen Witz lacht, den ich mache, er sich bei mir bedankt, bevor ich mich bedanken kann. Surreal irgendwie. Für mich jedenfalls.

"Die langsamen Tage meiner Kindheit, der Rauch der Zigaretten meines Vaters, das Bernsteinlicht der weichen Sommerabende – diese Welt ist nur noch in mir", schreibt er genau so schmerzlich leicht wie "Aber der Natur, dem Leben, dem All, bedeuten diese Begriffe nichts. [...] Ist es nicht möglich, dass wir uns irren? Wir wissen es nicht. Wir müssen uns also damit abfinden, dass es genauso töricht ist, zu sagen, das Leben habe einen Sinn, wie das Gegenteil."

Mit Referenzen auf Frost ("The woods are loverly, dark, and deep, / But I have promises to keep, / And miles to go before I sleep, / And miles to go befire I sleep."), Godard, Kästner ("Die Vergangenheit muss reden, und wir müssen zuhören. Vorher werden wir und sie keine Ruhe finden.") Eichendorff ("Wir sehnen uns nach Hause. / Und wissen nicht, wohin?"), Sokrates, Hemingway und Camus trifft von Schirach mit jedem Zitat, mit nahezu jedem Gedanken, verwundbare Stellen in der eigenen Gedankenwelt und lässt einen durch seine Präzision und Vielschichtigkeit schweigend zurück. "Kaffee und Zigaretten" wanderte lange in meiner Tasche, obwohl ich es längst bis zum letzten Satz gelesen hatte, war in meinem Koffer nach Dänemark dabei und als Geschenk auch nach Krakau. Das klügste, grandioseste, faszinierendste und traurigste Buch, das ich in den letzten Jahren gelesen haben.

Kaffee und Zigaretten

von Ferdinand von Schirach

Luchterhand Verlag

Als ich im Studio Arrenberg ankomme, sind es 29°C. Mittagshitze in Wuppertal. Ich treffe Philipp Czampiel, einen jungen Wuppertaler Fotografen und Studenten. Einladend werde ich im schattigen Hinterhof begrüßt, ein Hund läuft freudig umher, ich werde in die WG gebeten, in der am Freitagabend ab 19Uhr Philipps erste Fotografie Ausstellung „Arrenberg x USA“ stattfinden soll. Hohe Decken, Vitra-Stühle, Atelierflair. Ein kreatives Studio versteckt in einer WG am Arrenberg. Große Arbeitstische, probeweise lehnen bereits die Street Photography Fotografien an den Wänden, an denen sie bald angebracht werden.

Die auszustellen Fotostrecke ist in den neun Monaten entstanden, in denen Philipp in den USA gelebt hat. Davon vier Monate in Cincinnati, wo er ein Auslandssemester absolvierte und weitere viereinhalb Monate in San Francisco, wo die meisten Bilder entstanden sind. Als Philipp in San Francisco ankam war er schockiert. Vom berühmten San Francisco hatte er bereits unbewusst eine Vorstellung im Kopf, die jedoch nicht dem Bild entsprach, das ihm geboten wurde. „Ich hab’s mir irgendwie paradiesischer vorgestellt.“ Philipp wusste zwar von der großen Technology Scene und von vielen Hippievierteln und politisch-gesellschaftlichen Bewegungen, als er dann aber nach einem kurzen Roadtrip in der Stadt der Golden Gate Bridge ankam, was alles viel dreckiger, als er dachte:

„Das war auch ein großes Thema, als ich da war. Also ich hab’s mir halt sauber vorgestellt und wohl ein bisschen zu sehr mit California assoziiert. Viele Attribute, die man California zuschreibt, treffen auf San Francisco nicht zu. Es ist einfach wirklich dreckig. Ich habe viele Artikel gelesen und es wurde auch viel in der Arbeit darüber diskutiert: Die Stadt ist echt kein schöner Fleck für Touristen, weil viele sich einen schönen Ort vorstellen und dann herkommen und enttäuscht werden. Überall Fäkalien auf den Straßen, direkt daneben Leute, die sich Heroin spritzen. Dann sind die halt ein bisschen schockiert und sagen: Ja okay, war schön San Francisco mal zu sehen und die Sehenswürdigkeiten sind da. Aber der Rest, der muss halt nicht sein, hier würde ich jetzt nicht nochmal hinkommen zum Urlaubmachen.“

Kinnert: Ist das auch dein Fazit?

Philipp Czampiel: Ich glaube aufgrund meiner Erlebnisse mit der Arbeitswelt würde ich nicht nochmal unbedingt da arbeiten wollen. Aber an sich fand ich die Stadt sehr interessant. Weil man diesen Kontrast und diese gesellschaftliche Schere so hautnah miterlebt. Das ist etwas, was einen tagtäglich irgendwie runterzieht, aber auch die Augen öffnet. Ich war der Stadt gegenüber sehr offen. Ich war schockiert, aber nicht enttäuscht.

Ein Bild von San Francisco schaffen will er mit seiner Ausstellung aber nicht. „Auch allgemein kein Bild schaffen von irgendwas. Es sind einfach Eindrücke, die ich auf den Straßen der Stadt hatte.“ Diese sind teilweise sehr außergewöhnlich, teilweise humoristisch oder schaffen kurze Momente, in denen der Betrachter sogar traurig oder schockiert werden kann.

Philipp stellt mich einigen seiner Kommilitonen vor, die in der Senefelderstraße wohnen und daraus das Studio Arrenberg gestalten wollen. Wir laufen den Space ab und er erklärt die Räumlichkeiten der Ausstellung, entschuldigt sich dafür, dass sie noch mitten im Prozess sind und noch viel umräumen müssen. Im Hinterhof wird aus Paletten gerade eine Art Bar gebaut, daneben ein Hochbeet mit Kräutern, ein paar Tische, Stühle, Pappe liegen herum. Fröhlich läuft der braune Hund umher. „Hier wird eher der Bereich sein, wo es was zu tirnken gibt, wo man rauchen und sich unterhalten kann“, erklärt mir Philipp. Mit einer Handbewegung deutet er auf den gesamten Innenhof. An den Eingangsbereich soll am Freitag noch eine Nebelmaschine zum Einsatz kommen. In dem sehr offenen Küchen- und Arbeitsbereich der WG werden einige Fotos ausgestellt, hauptsächlich Porträts, die Philipp in den USA gemacht hat. Ein Mann mit Anti-Trump-Shirt, ein Mann beim Malen eines Porträts seiner Nichte, zwei Transvestiten, die ein Selfie schießen. Eines von Philipps Lieblingsbildern, weil es einen gewissen Flair ausstrahlt. Menschen auf Demonstrationen. Am Rande eines Rollschuhtanzes traf Philipp auf einen einsamen Mexikaner. Auf dem Porträt hat er eine Kippe im Mund, hält eine Colaflasche und eine Gitarre. Und ist auf Rollschuhen. Außergewöhnlich aussehende Menschen. Zwei Mal hingucken muss man, wenn man kein Detail verpassen will.

Dann geht es noch runter in den Keller. Weiße Wände, kühlere Temperaturen. Hier unten gibt es mehr von Philipps Street Photography, allerdings mehr von denjenigen Motiven, die er als weniger massentauglicher einschätzt. Ein nackter Mann mit Penisring, eine Nahaufnahme von einem Gesicht. „Der Mann hat mir zehn Dollar abgezogen“, lacht Philipp. Ein kleines Gewölbe, nicht groß, aber gefüllt von Fragen, die man sich beim Ansehen der Fotos stellt.

In der amerikanischen Großstadt arbeitete der Jungfotograf in einer Agentur. „Ich in der Woche immer eher sehr eingeengt und hatte kaum Freiheiten, sodass ich dann noch irgendwie die Stadt am Wochenende erkunden wollte. Und das habe ich dann gemacht.“ Im Gewölbe hängen einige Negative. Fast alle Fotos sind analog fotografiert. Spontan kaufte sich Philipp in einem Second Hand Laden eine Analogkamera. Von Freitagabend bis Sonntagabend war Philipp unterwegs. Zu fuß, in der Hoffnung, man erblicke und erlebe so viel mehr. Rauskommen, Luftholen. „Durch das Suchen von neuen Motiven oder das aktive Wahrnehmen des Umfeldes erlebt man ganz vieles viel intensiver. Man kommt mit Leuten in Kontakt, mit denen man sonst gar nicht reden würde. Und mit der Kamera hat man immer irgendwie einen Grund, Sachen zu machen. Man geht in eine Gasse und guckt sich plötzlich die Hintertür eines Restaurants genauer an, weil man einfach mal guckt, ob es da etwas Interessantes zu sehen gibt, was man einfangen könnte. Im Endeffekt ist es dann sozusagen der Genuss des guten Bildes, das am Schluss vom Fotolabor zurückkommt, was einem einen Push und Zufriedenheit gibt. Oder auch diese Bestätigung.“

Kinnert: Also siehst du allein schon dadurch irgendwie mehr, dass du mit Kamera rausgehst.

Philipp Czampiel: Ja! Mittlerweile aber auch ohne Kamera. Inzwischen ist es fast schon so geworden, dass ich rausgehe, meine Kamera nicht dabei habe und ich mir denke: Ah okay, da vorne war irgendwie was oder: da war noch etwas. Dieses könnte man machen und jenes fotografieren. Das hat sich so über die Jahre aufgebaut.

Kinnert: Wie hast du denn die Stimmung in deiner Zeit in den USA wahrgenommen, gerade in diesen politischen Zeiten?

Philipp Czampiel: Bisschen gereizt, aber teils auch irgendwie abgeschirmt… Gerade San Francisco ist eine Stadt, in der viele Aktivisten unterwegs sind und viel passiert. Während meiner Zeit dort fand auch der „March for our lives“ statt, wo Jugendliche gegen die Gun Laws demonstriert haben. Das war auf jeden Fall eine sehr intensive Stimmung, wo man auch viele extreme Meinungen mitbekommen hat, zu Trump und den Waffengesetzen zum Beispiel.

Aber gleichzeitig hab ich auch krasse Kontraste in der Gesellschaft kennengelernt. Da sah man einerseits diejenigen, die der Meinung waren, in Amerika läuft es scheiße und man braucht Veränderung. Wir sind im Jahr 2018 angekommen und was die Menschen erleben, finden sie nicht mehr zeitgerecht. Und andererseits eine Szene, die mit Scheuklappen durch die Stadt gelaufen ist, die einfach nur ihre Jobs genießt, Geld verdient und darüber hinaus nichts wahrnehmen will.

Ein weiterer Kontrast, den der Wuppertaler wahrgenommen hat, war die massive Ungleichheit zwischen den Menschen. Menschen, die in Pezlmänteln und Gucci rumlaufen und neben ihnen eine Straße voller Zelte, in denen Obdachlose schlafen. „Ich habe mit vielen Veteranen geredet, die auf der Straße waren“, erzählt Philipp. „Das waren einfach ganz normale Leute. In den meisten Fällen hatten sie nur ein kleines Missgeschick oder ein Unglück in ihrem Leben. Sie haban sich zum Beispiel ein Bein gebrochen, hatten keine Rücklagen und mussten ihr gesamtes Geld für die Behandlung ausgeben. So sind sie dann irgendwie auf der Straße gelandet.“

Kinnert: Die Menschen, die während deiner Zeit in den USA porträtiert hast. Hast du dafür konkrete Menschen gesucht oder hast du einfach das Menschenbild auffangen wollen, dem du so begegnet bist?

Philipp Czampiel: Eher zweiteres tatsächlich. Dadurch, dass ich die Stadt auch so für mich selbst mitbekommen wollte und nicht nur für die Fotos auf die Straßen gegangen bin, bin ich immer in Viertel gegangen, die ich interessant fand oder wo ich wusste, da passiert etwas. Viertel, wo ich oft war, waren z.B. Market Street, Haight Ashbury oder Mission District. Orte, wo viele Menschenmengen sind, wo man am ehesten Menschen sieht, die sich auf der Straße mehr ausleben als in ruhigen Wohnvierteln.

Für mich sind die Fotos vielleicht in der gleichen Art und Weise interessant, wie für andere Betrachtet. Weil es auch für mich etwas Neues war, was ich fotografiert habe. Und weil es Leute sind, wo man immer wieder überrascht wurde, sowas auf der Straße zu sehen und zu treffen. Ich wollte das Aktive und Dynamische auf der Straße auffangen.

„Ich unterschätze mich lieber,

als dass ich mich überschätze.“

Als wir im Innenhof sitzen und er mir fragen beantwortet, scheint er sich manchmal nicht sicher zu sein, ob er Antworten auf die Fragen liefert, ob man versteht, was er ausdrücken will. Ruhig, aber fast ein bisschen zerstreut läuft er die Bilder entlang und verliert zu jedem ein paar Worte. Was ihn dazu bewegt hat, diese Bilder aus seinen etwa 30 Filmen für die Ausstellung auszuwählen und was er an ihnen mochte. Dynamik, aber hauptsächlich Authentizität ist ihm wichtig, viel passiere jedoch intuitiv, sagt er.

Philipp wirkt bescheiden. Er sei ja „keine große Nummer“ und die Ausstellung sei deswegen entstanden, weil er mit seinen Freunden „einfach Bock drauf hatte, eine kleine Party aus dieser Fotoreihe zu machen.“ Philipp will, dass das Ausstellungsprojekt bodenständig wirkt. „Auch nicht nur so wirkt, sondern es auch ist.“ Auch das war ein Grund für die Entscheidung, eine WG als Veranstaltungsort auszuwählen und keine Galerie, das wäre ihm zu offiziell gewesen. „Ich will, dass es bisschen mehr Straße ist, als Kunstmilieu. Ich will, dass es authentisch ist und von meiner Seite keine Abgehobenheit kommuniziert wird. Ich sehe mich nicht als krassen Star des Abends, nur weil ich jetzt meine Bilder ein bisschen ausstelle. Ich unterschätze mich lieber, als dass ich mich überschätze.“

Kinnert: Warum ist dieses Foto dann das Titelbild geworden?

Philipp Czampiel: Ich fand’s am provokantesten. Ich wollte einen Hingucker auf dem Flyer und dem Banner schaffen und es passt halt zum derzeitige Thema und Zeitgeist.

Kinnert: Du hast am Anfang gesagt, dass du mit der Ausstellung nicht erreichen willst, ein bestimmtes Bild von etwas schaffen willst. Was dann?

Philipp Czampiel: Also irgendwo schafft man natürlich immer ein Bild. Aber es soll keine tiefgreifende politische Message mit sich bringen. Ich finde, jeder sollte selber etwas hinein interpretieren können. Es zeigt irgendwo ein recht verrücktes Amerika, was eben ungewohnt ist für uns Deutsche, weil hier so wenig auf der Straße passiert. Ich hoffe, dass es irgendwie ein kleine Faszination erzeugt, was diese Momente auf der Straße angeht.

„Was würdest du dir denn wünschen, was der Besucher von deinen Fotos oder von der Ausstellung selber mitnimmt?“, frage ich und Philipp lacht. „Am besten ein Bild für zwanzig Euro!“ Dann winkt er ab und denkt nach.
„Ich hoffe einfach, dass die Leute hier Spaß haben. Im Rahmen des Abends auf jeden Fall auch Unerhaltung, aber es sollte einen Einblick geben, wie es auf der Straße aussehen könnte, auch im Vergleich zu Wuppertal zum Beispiel. Ein gewisses Kontrastprogramm. Für mich wirken sie fast schon wie Bilder aus einer anderen Welt. Den Eindruck würde ich gern kommunizieren.“ Der menschliche und kommunikative Aspekt ist das, was Philipp grundsätzlich interessant findet. „Ob das jetzt die Fotos an sich sind, die Menschen, die ich fotografiert habe oder diejenigen, die sich das angucken oder auch in den Sozialen Medien liken. Ich finde es immer interessant, wenn man menschliche Interaktion mit rein bringt.“

Kinnert: Was wäre das schlechteste, was man über dein Fotos sagen könnte?

Philipp Czampiel: Ich glaube konstruktive Kritik, die beinhaltet, die Fotos seien langweilig oder nichtssagend, das wäre am schlimmsten für mich. Ich sehe oft Bilder, wo ich denke, okay, das ist jetzt bisschen willkürlich. Ich mag es, wenn man erkennt, dass irgendein Sinn oder Gedanke hinter einem Bild steckt. Ein Foto ist ja auch dazu da, um eine Geschichte zu erzählen.
Das Schlimmste am Freitag wäre, wenn die Besucher um nur kommen, schnell durchlaufen, sich ein Bier abholen und dann ohne Kommentar direkt zur nächsten Party abhauen. Ich hoffe, dass am Ende eine leichte Diskussion hier draußen entsteht. Sich die Leute die Bilder angucken, darüber reden und sie sich dann vielleicht sogar nochmal ansehen wollen. Wenn sie aktiv hier hin kommen wollen, das würde mich freuen.

Schon lange habe ich es vor und nun am letzten Sonntag auch endlich machen können. In der Bundeskunsthalle Bonn ist noch bis zum 12. August 2018 die Retrospektive zur vieldiskutierten Künstlerin Marina Abramovic zu sehen. Abramovic ist vor allem durch ihre Performances bekannt geworden, bei denen sie den Finger in die Wunde menschlichem Seins legt.

Wo liegen die eigenen Grenzen?

Ich kenne mich nicht sehr gut mit Performance Art aus, nicht einmal mit zeitgenössischer Kunst generell. Ich habe weder Marina Abramovics Biographie gelesen, noch bin ich ein Fan von ihr. Habe ich mich in der Ausstellung einige  Male unangenehm berührt gefühlt? Ja. Habe ich ein paar Male darüber nachgedacht, ob Abramovic wohl in Therapie ist? Auf jeden Fall. Habe ich einige der Werke nicht verstanden oder schlimmer noch: abgelehnt, weil ich sie problematisch finde? Ja, habe ich. Und trotzdem – und ein kleiner Funke würde hier sogar "und auch genau deswegen" ergänzen – empfehle ich es absolut, sich die Ausstellung "The Cleaner" selbst anzusehen.

Durch ihre Kunst teilt Abramovic nicht nur zutiefst Persönliches und ganz eigenen Schmerz, eigene Ängste und existenzielle Erfahrungen, sondern sie überschreitet sie und lädt den Rezipienten ein, dies auch zu tun und einzugreifen in ein Werk, das durch den Austausch floriert und den Blick auf das eigene tiefe Selbst. Selbst wenn man es versuche, bin ich vollkommen überzeugt, man könne nicht nicht gleichgültig durch diese Ausstellung gehen. Man ist gezwungen, eine Haltung einzunehmen, sei das eine ablehnende oder eine, die sich interessiert und fasziniert zeigt. Die Besucherin oder der Besucher ist mit den Grenzen eines Menschen und seinem eigenen Unwohlsein konfrontiert. Man selbst wird nicht nur Betrachter, sondern Medium eines Kunstwerkes.

"Radikal, umstritten und bewundert zugleich – Marina Abramovic ist eine der meist diskutierten internationalen zeitgenössischen Künstlerinnen, vor allem im bereich ihrer bahnbrechenden Performances, mit denen sie immer wieder die eigenen physischen und psychischen Grenzen auslotet und überschreitet. Dabei sind persönliche Erfahrungen und auch Verantwortung ein zentraler Punkt ihrer Arbeit, die sich im Kern mit Erinnerung, Schmerz, Verlust, Ausdauer und Vertrauen auseinandersetzt. Die Ebene der Zeit(-erfahrung) und der Umgang mit dem eigenen Körper sind weitere Faktoren, die ihr Werk so eindrücklich werden lassen. Ihre Abramovic-Methode der Konzentration und Mobilisierung der eigenen Kräfte, um eine größtmögliche Toleranz und Offenheit im Dialog zu erreichen, wird in Workshops weltweit praktiziert. Die Künstlerin spricht grundlegende Existenzfragen an, provoziert und berührt somit in direkter Weise den Betrachter. Gemäß ihrer Überzeugung "A powerful performance will transform everyone in the room" stellt sie Hierarchien in Frage und fokussiert ihre Arbeit auf individuelle und kollektive Erfahrungen."

RHYTHM 0, 1974

In ihren frühen "Rhythm-Arbeiten"; einer Serien von Performances setzte sich Abramovic bewusst extremer Körperlicher Erfahrungen und Gefahren aus, die zu Verletzungen, Bewusstlosigkeit, in enigen Fällen sogar zu Lebensgefahr führten. In ihrer "Rhythm 0" Performance stellte sich die Künstlerin 1974 der Willkür des Publikums gegenüber, das als handelndes Subjekt fungiert. Neben der nackten und reglosen Künstlerin standen auf einem Tisch 72 Gegenstände zur Verfügung, durch die das Publikum zur Handlung an der Künstlerin aufgefordert war. Abramovic hatte die Rezipienten zuvor von jeglicher Verantwortung für die Konsequenzen freigesprochen. - Was passiert, wenn man Menschen von jeder Verantwortung für ihr handeln frei spricht und moralisches Urteil von ihnen abwendet? Im Falle dieser Performance folgte darauf eine Kette von verschiedenen wohlwollenden, vor allem aber auch verletzenden und gewaltsamen Handlungen und Reaktionen.

Marina Abramovics Karriere begann in den 1970er Jahren in Belgrad. Lange galten Abramovic und ihr deutschstämmiger Lebenspartner Ulay (Frank Uwe Laysiepen) als Vorzeigepaar der Kunstszene. Gemeinsam entstanden intime und extreme Kunstwerke und Performances, die auch in der Bundeskunsthalle ausgestellt werden. Das Künstlerpaar beendete seine Beziehung, indem sich das Paar auf der chinesischen Mauern entgegenlief, sich in der Mitte traf und daraufhin getrennte Wege gingen. Ein dramatisches, symbolischen Ende einer zutiefst symbiotischen Beziehung. Erst viele Jahre später trafen sich Abramovic und Ulay wieder, als die Künstlerin eine ein Kunstprojekt im MoMa New York ausrichtete.

"Perfect couples don’t really exist. Perfect is harmony.

Perfect is hermetic, thus the end of communication."

—  Ulay

THE ARTIST IS PRESENT, 2010

2010 inszenierte Abramovic ihre viel rezipierte Perfomance "The Artist is Present". Dabei saß die Künstlerin reglos an einem Tisch, auf dessen gegenüberliegende Seite ein weiter Stuhl zur Verfügung stand und Besucher dazu einlud, Platz zu nehmen und stumm in direkten Kontakt zu treten, solange man wollte. Während der gesamten Ausstellungsdauer über insgesamt 736 Stunden lief die Performance und Abramovic saß insgesamt 1675 Personen im Blickkontakt gegenüber. Die Situation wurde von den Teilnehmern mitbestimmt und endete, sobald sich der Teilnehmer oder die Teilnehmerin entschied, sie zu beenden.

„Meine Arbeit funktioniert nur, wenn das Publikum

eine Beziehung zu mir hat. Das Grundproblem ist

die passive und voyeuristische Beziehung des Publikums 

zum Künstler und zum Museum.“

 Zwar beschränkte sich die Kommunikation auf minimale Mimik und Blickkontakt, doch beschreiben viele der BesucherInnen die Begegnung als eine intensive und fundamentale. Intensive Momente der Zwischenmenschlichkeit, die Konzentration auf sein Gegenüber und den Blick in sich sind die Herausforderungen dieser Konfrontation. Abramovic selbst beschreibt die Performance als eine der schwierigsten, die sie je vollzogen hat. Überrascht wurde sie zudem von der Beteiligung Ulays, der sich ihr gegenübersetzte. Das Paar hatte zu diesem Zeitpunkt seit ihrer Trennung mehrere Jahre keinen Kontakt gehabt.

BREATHING IN / BREATHING OUT, 1977

Bei ihrer Performance "Breathing in / Breathing out" setzten sich Ulay und Abramovic weiter mit der Frage künstlerischer Dualität auseinander. Das Künstlerpaar machte ihr Überleben voneinander abhängig, indem sie ihre Münder aufeinanderpressten und ihre einzige Sauerstoffquelle entsprechen der ausgetauschte Atem des jeweils anderen war, bis die Künstler kollabierten. Was hierbei dargestellt wird ist die Abhängigkeit und der Tod des Selbst, der bei der Form von Zusammenarbeit und Beziehung immerzu droht, indem sie durch die gegenseitige Vernichtung als Folge der gemeinsamen Verbindung  gestalteten.

REST ENERGY, 1980

Ebenfalls zu ihrer Serie "That Self" gehört ihre Performance "Rest Energy" des vollkommenen Vertrauens: Die Künstler stehen einander gegenüber, während Abramovic die Mitte eines großen Bogens, auf den ein vergifteter Pfeil gespannt und auf ihr Herz gerichtet ist. Ulay hielt den Pfeil fest, während sich beide nach hinten lehnten. Eine falsche Bewegung oder Entscheidung würde zum Tod der Künstlerin führen. Durch Mikrophone wurde der beschleunigte Herzschlag der Künstler aufgenommen. Nach vier Minuten ließen beide den Bogen fallen.

"Die große europäischen Retrospektive ist nun exklusiv im deutschsprachigen Raum in Bonn zu sehen und spiegelt umfänglich die Facetten ihres Werkes – von den Anfängen, allein und mit Ulay, bis in die Gegenwart. Filme, Fotografien, Malerei, Zeichnungen, Skulpturen, Objekte, Installationen sowie ausgesuchtes Archivmaterial zeigen die thematische und mediale Bandbreite der Künstlerin. Vor allem einige Re-Performances und partizipative Arbeiten bereichern das intensive Ausstellungserlebnis."

Manchmal bin ich mit Kunst konfrontiert und verstehe sie nicht oder finde sie sogar unsinnig. Und ich kenne das auch von mir, dass man in solchen Situationen sehr leicht dazu verfällt eine Anti-Haltung anzunehmen oder sich über das Gesehene lustig zu machen und es als lächerlich zu empfinden. Eine Reaktion aus Hilflosigkeit oder vielleicht auch aus zu wenig Interesse am Kern eines bestimmten Kunstwerkes und -richtung. Insbesondere aber bei "The Cleaner" möchte ich jedem raten, diese Verhaltensweise beiseite zu lassen und sich unvoreingenommen auf Abramovics Performances einzulassen.
Zu manchen Zeiten sind selbst auch Künstler vor Ort, die berühmte Perfomances nachstellen und das hatte für mich eine sehr einschüchternde Wirkung, die ich nicht unbedingt erwartet hätte. Zu verstehen, was hinter all dem steckt und zu erfühlen, was auch meine ganz persönliche Reaktion darauf zu bedeuten hat, ist wohl eines der faszinierendsten Dinge für mich gewesen. Habt keine Berührungsängste und versucht zumindest sachte über euren eigenen Schatten zu springen, wenn einige Kunstwerke es von euch verlangen. Gerade einige Stationen, an denen man sich selbst beteiligt waren diejenigen, die mich nachhaltig beeindruckt haben.

Wieso jeder Kulturinteressierte diesen Film gesehen haben muss

Betrachtet man den Film als reinen Handlungsstrang einer erzählten Geschichte, so ist sie langsam erzählt, enthält nicht die Spannung, die wir gegenwärtig in dramatischen Spannungsbogen, Plottwists und Cliffhangern gewohnt sind. Man hat nahezu das Gefühl, man würde in Echtzeit den Protagonisten Armand Roulin bei seinen Nachforschungen begleiten. Doch dieses Tempo ist gewollt, denn die sichtbaren Pinselstriche der über 65.000 gemalten Einzelbilder verändern sich von Sekunde zu Sekunde und der Film pulsiert dadurch. Er verleitet den Betrachter zu betrachten und nicht bloß zu folgen und sich leiten zu lassen. Wir lassen uns nicht führen, wir gehen mit, wir hören zu, wir wir sehen hin. In jedes Bild dieser Geschichte und in das Ableben eines Menschen, der bis zuletzt von niemandem verstanden wurde.

Jedem, der ein Mal in einer Galerie stand und in den Gemälden versank und sich gar wünschte, man würde in sie eintauchen können, dem wird in 'Loving Vincent' die Gelegenheit gegeben.

Noch im Verfolgen des Filmes ertappe ich mich beim Betrachten der Bilder, die mich staunen lassen. Die intensive und typische Farbgebung, die Pinselführung, jedes immer wiederkehrende Motiv und Erinnerung an längst vergessene Bilder, die der Liebhaber so oft gesehen hat. In direkter Übertragung oder in unscheinbarer Anlehnung findet man Motiv um Motiv wieder, die fantastisch anzusehen sind. 

Loving Vincent ist ein Film für Liebhaber, für Neugierige, für Liebende, die ihr Herz an die Bildkraft Van Goghs und seine traurige Geschichte verloren haben und bleibt damit ein nischiger Film all derjeniger, die die Achtung über das Tempo, die das Bild und den bleibenden Gedanken über die Inszenierung stellen. Man muss keine besondere Kunsbildung haben, um das visuelle Ereignis als das wertschätzen zu können, was es ist. Der Film erzählt das Ende Van Goghs vom Ende erzählt. Vincent, der zu Lebzeiten nie an den Ruhm gelang, den er heute genießt. Ein einziges Bild hat er in seinem Leben verkaufen können und viele verbrannt, um damit zu heizen. Einem Mann, der unter schweren Depressionen litt, ständig in Behandlung und ohne Verdienst, stetig finanziert durch seinen Bruder. Eine originelle und innovative Hommage an einen weltberühmten Künstler von Künstlern aus aller Welt.

Schon jetzt der schönste und faszinierendste Kunstfilm des Jahres, den man auf der großen und sprichwörtlichen Leinwand gesehen haben muss. Letztlich auch weil er sich gegen das wendet, was sich gegenwärtig ökonomisch und strategisch in der Blockbusterwelt lohnt. Eine lange, aufwendige und kostspielige Produktion eines Werkes, das ein nischiger Kulturliebling für Cineasten bleiben wird. Loving Vincent ist ein Paradebeispiel dafür, wie man die Technik der Zeit nutzen kann, um etwas Zeitloses zu erschaffen.