Sans Mots

Es gibt Städte, in denen man einfach nur zu Gast ist – und es gibt Bologna. Eine Stadt, die sich nicht aufdrängt, aber auch nichts beweisen muss. Die nicht laut schreit: „Schau her!“, sondern einfach dasitzt, in warmes Licht getaucht, mit offenen Türen, langen Portiken und einer leisen Selbstverständlichkeit. Ich liebe Bologna für genau das: für ihre Unaufgeregtheit. Für die Art, wie sich das Leben hier zwischen Buchhandlungen, Trattorien und piazze abspielt, als hätte niemand je vergessen, worauf es wirklich ankommt. Es ist diese Mischung aus Kultur und Körperlichkeit, aus Denken und Genießen, aus Geschichte und Alltag, die mich immer wieder tief berührt. Bologna, überall als "La Rossa, la Dotta, la Grassa" bekannt, fühlt sich für mich nicht an wie ein Reiseziel, sondern wie ein Zustand – ein Ort, an dem Kopf und Herz zur Ruhe kommen, gemeinsam essen gehen und bis spät in die Nacht durch die Gassen streifen.

Wieso ist Bologna die Rote, die Gelehrte, die Fette?

La Rossa – die Rote bezieht sich auf mehrere Dinge zugleich. Einerseits: Die Farbe der Stadt: Bologna ist bekannt für ihre warmen, erdigen Terrakotta- und Ziegeltöne, die viele Fassaden und Dächer prägen. Wer durch die Altstadt läuft, sieht tatsächlich fast nur Rottöne – von Ziegelrot bis Ocker. Und andererseits die politische Bedeutung: Bologna war lange Zeit eine Hochburg der italienischen Linken. Über Jahrzehnte hinweg galt die Stadt als eines der wichtigsten Zentren kommunistischer und sozialistischer Politik in Italien. Die Bezeichnung "Rossa" ist also auch ein Verweis auf diese politische Prägung.

La Dotta – die Gelehrte: Bologna ist Heimat der ältesten Universität Europas, gegründet im Jahr 1088. Die Università di Bologna war ein zentraler Ort der mittelalterlichen Gelehrsamkeit und ist bis heute eine international renommierte Bildungsstätte. Die Bezeichnung „die Gelehrte“ verweist also auf die jahrhundertelange akademische Tradition, insbesondere in den Bereichen Recht, Medizin und Philosophie. Gleichzeitig aber auch auf die lebendige und progressive studentische Kultur, die das Stadtbild bis heute prägt – mit intellektuellen Diskursen, Literatur, politischen Debatten und einem gewissen Bildungsstolz.

La Grassa – die Fette: Diese Bezeichnung ist eine Hommage an die kulinarische Opulenz der Stadt und der gesamten Region Emilia-Romagna. Bologna ist die Heimat von Tortellini, Tagliatelle al ragù (nicht Spaghetti Bolognese!), Mortadella und vieler anderer reichhaltiger Spezialitäten. „Fett“ ist hier liebevoll gemeint – im Sinne von üppig, genussvoll, bodenständig, eine Stadt, die das Essen zelebriert, ohne Zurückhaltung, ohne Dogma. Die Küche ist ein zentrales Element der Identität – Essen ist hier kein bloßes Mittel zum Zweck, sondern Ausdruck von Geschichte, Gemeinschaft und Hingabe.

Zwei Türme, Altstadt und mehr: Woran kann ich mich orientieren?

Mitten in Bologna ragen sie in den Himmel – schief, schroffer als gedacht und dennoch erstaunlich elegant: die Due Torri, die zwei mittelalterlichen Türme „Asinelli“ und „Garisenda“. Sie sind nicht nur Wahrzeichen, sondern auch Zeugen einer Zeit, in der Höhe Macht bedeutete – und Rivalität aus Stein gebaut wurde. Der höhere der beiden, der Torre degli Asinelli, lässt sich besteigen. 498 Holzstufen führen hinauf – und mit jedem Schritt wird das mittelalterliche Mauerwerk enger, die Luft wärmer, das Herz etwas schneller. Oben dann: eine Aussicht, die fast unwirklich wirkt. Terrakotta-Dächer bis zum Horizont, ein sanftes Rot, das Bologna seinen Spitznamen „La Rossa“ eingebracht hat. Und irgendwo da unten: das eigene kleine Leben, das plötzlich angenehm unwichtig erscheint. Der kleinere Turm, Garisenda, ist inzwischen zu schief für Besucher*innen. Dante erwähnte ihn schon in seiner Divina Commedia – mit Bewunderung, aber auch mit einem gewissen Unbehagen. Vielleicht weil es etwas Beunruhigendes hat, wenn sich etwas, das eigentlich fest sein sollte, so sichtbar neigt.

Der Piazza Maggiore ist kein Platz, den man einfach „besichtigt“. Er ist eher ein Platz, den man erlebt – manchmal auch einfach durch das bloße Stehenbleiben. Man spürt ihn, lange bevor man ihn durchquert: das offene Herz der Stadt, auf dem alles zusammenkommt – Geschichte, Gegenwart, Gelassenheit. Die altehrwürdigen Fassaden – Palazzo d’Accursio, Basilica di San Petronio, der Neptunbrunnen gleich daneben – sind wie Kulissen, und trotzdem wirkt nichts davon unecht. Tagsüber schieben sich Schulklassen über das Pflaster, nachts sitzen Menschen barfuß auf den Stufen, mit Pizza in der Hand und Blick in den Himmel. Es gibt kaum einen Ort, an dem sich der Charakter Bolognas so verdichtet wie hier: politisch, lebendig, etwas unaufgeräumt, voller Würde. Ein Platz, der nicht schreit, sondern flüstert – und gerade deshalb lange nachhallt.

Fassade der Basilica di San Petronio auf dem Piazza Maggiore

Basilica di Santo Stefano: Ein Gang durch die Zeit

Wenige Minuten vom Trubel entfernt liegt ein Ort, der sich fast wie ein Geheimnis anfühlt: die Basilica di Santo Stefano – eigentlich ein ganzer Komplex aus mehreren ineinander verschachtelten Kirchen. Sie wird oft „Sette Chiese“ genannt, auch wenn es heute nur noch vier oder fünf davon wirklich gibt. Wer sie betritt, verlässt das Jetzt. Es ist dunkel, kühl, fast ehrfürchtig still. Keine große Geste, kein goldener Prunk – nur Backstein, Schatten, uralte Böden und der leise Klang der eigenen Schritte. Hier ist das Christentum nicht inszeniert, sondern geerdet. Vielleicht ist es genau diese Stille, die so tief wirkt. Oder die Tatsache, dass sich in diesem verwinkelten Bau so viele Epochen überlagern, ohne sich zu stören: frühchristlich, romanisch, gotisch – alles da, alles nebeneinander. Santo Stefano ist weniger ein Ort zum Fotografieren als zum Verweilen. Zum Fragen. Zum Lauschen.

Das Studierendenviertel beginnt direkt hinter der Piazza Verdi, dort, wo Menschen sitzen, als hätte niemand je Prüfungen, niemand je Angst, niemand je Zweifel. Zwischen Bars, Secondhandläden, copy shops und winzigen Kiosken ist Bologna am ehrlichsten. Nichts hier ist wirklich hübsch – aber alles hat Haltung. Hier riecht es nach Espresso, nassem Papier, nach Zigarettenrauch und manchmal, wenn man Glück hat, nach etwas, das jemand gerade frisch gekocht hat.

Die hölzerne Decke des Teatro Anatomico in Bologna

Ehrfurcht und Menschheitsgeschichte: Das Teatro Anatomico

Es gibt Orte, die wirken nicht wie Räume, sondern wie Gedanken, die jemand einmal sehr ernst gemeint hat. Das Teatro Anatomico in Bologna ist so ein Ort. Versteckt im ersten Stock des alten Palazzo dell’Archiginnasio, dort, wo einst die klügsten Köpfe der Stadt disputierten, öffnet sich plötzlich ein hölzernes Amphitheater, das aussieht, als hätte jemand ein Herz aus Tannenholz geschnitzt. Klein, rund, geschlossen. Alles ist auf den Tisch in der Mitte ausgerichtet. Und dieser Tisch – eiskalt, marmorweiß – war einst der Ort, an dem man schnitt, sezierte, erklärte, sezierte, erklärte, sezierte.
Ich stelle mir vor, wie es gerochen haben muss. Wie der Atem der Studierenden dampfte im Winter, wie sie die Luft anhielten, wenn die erste Schnittbewegung getan war. Wie Wissen sich über Körper spannte, buchstäblich. Das Teatro Anatomico ist nicht nur ein anatomisches Theater, sondern eine Art stillgelegte Idee davon, wie man sich Welt einmal erschlossen hat: durch Öffnen. Durch das Zeigen dessen, was man sonst bedeckt hält.

Die Wände sind mit Holzvertäfelung verkleidet, hell und warm, fast freundlich. Engel mit gespannten Muskeln hängen über dem Lehrstuhl – die sogenannten „Spellati“, Häutete, dargestellt ohne Haut, dafür mit Adern, Sehnen, Muskeln. Sie wirken nicht grausam, sondern fast zart. Wie Menschen, bei denen man vergessen hat, sie fertig zu zeichnen.

Ich sitze eine Weile einfach nur da. Es ist kühl. Ein paar andere Besucher flüstern. Ich denke an meine eigene Haut. An alles, was man nicht sieht. Und an das absurde Vertrauen, das wir unserem Körper jeden Tag entgegenbringen. Dass er funktioniert. Dass das Herz schlägt. Dass das Gehirn weiter sendet. Und vielleicht ist genau das der Grund, warum mich dieser Ort so berührt: weil er die radikale Zerbrechlichkeit unseres Wissens zeigt. Und gleichzeitig die Schönheit darin, zu versuchen, etwas zu begreifen. Ganz wörtlich.

Zwei Museen meiner Wahl

Nationalgalerie Bologna | Die Pinacoteca Nazionale gilt als das bedeutendste Kunstmuseum Bolognas und zählt zu den wichtigsten Gemäldegalerien Italiens. Untergebracht im ehemaligen Jesuitenkolleg im Kloster Sant’Ignazio, nur wenige Schritte von der Universität entfernt, bietet die Galerie einen tiefen Einblick in die Entwicklung der Malerei in der Region Emilia-Romagna vom 13. bis zum 18. Jahrhundert. Besonders stark vertreten ist die sogenannte „Bologneser Schule“, eine Strömung, die insbesondere im Barock durch Künstler wie Guido Reni, Guercino oder die Brüder Carracci große Bedeutung erlangte. Die Pinacoteca zeigt aber auch Meisterwerke aus der Frührenaissance, darunter Werke von Giotto, Vitale da Bologna oder Raffael. Der Aufbau der Sammlung folgt weitgehend einer chronologischen Struktur und ist zugleich didaktisch klar gegliedert – ideal, um nicht nur die Stilentwicklung, sondern auch die gesellschaftlichen und religiösen Kontexte der Kunst zu verstehen. Die Räume sind ruhig, großzügig und atmosphärisch, was einen sehr konzentrierten, fast meditativen Besuch ermöglicht. Wer sich für italienische Malerei interessiert, wird in der Pinacoteca einen tiefen Zugang zu einem oft unterschätzten Kapitel der Kunstgeschichte finden.Museo 

Das Archäologische Museum, das Museo Civico Archeologico, liegt zentral im Palazzo Galvani direkt an der Piazza Maggiore, nur einen Steinwurf von der imposanten Basilika San Petronio entfernt. Es beherbergt eine der bedeutendsten archäologischen Sammlungen Italiens – besonders reich an etruskischen und römischen Fundstücken aus Bologna und der Umgebung, die in der Antike als Felsina bekannt war. Die Ausstellung ist sorgfältig kuratiert und führt Besucher chronologisch durch die Geschichte der Region: von der Ur- und Frühgeschichte über die Blütezeit der Etrusker bis zur römischen Kolonie Bononia. Besonders beeindruckend ist der etruskische Abschnitt, der seltene Grabbeigaben, Alltagsgegenstände und kunstvolle Keramik zeigt – ein faszinierendes Fenster in eine Kultur, die oft im Schatten Roms steht. Darüber hinaus beherbergt das Museum eine außergewöhnliche Sammlung ägyptischer Antiquitäten mit Mumien, Särgen und kultischen Objekten, die den Horizont weit über Bologna hinaus öffnen. Das Museo Civico Archeologico ist damit nicht nur für Archäologiebegeisterte, sondern auch für alle, die Bolognas antike Wurzeln verstehen möchten, ein absolutes Muss – es verbindet wissenschaftliche Tiefe mit einer sinnlich erfahrbaren Ausstellungsgestaltung.

Eine Neptunreplik im Archäologischen Museum Bolognas. Wie die Statue des Neptunbrunnens auf dem Piazza Maggiore. Und die Wuppertaler:innen wissen: Auch wie der Neptunbrunnen in der Elberfelder Innenstadt.

Die Geheimnisse der Stadt

Wenn in Bologna (oder allgemein in italienischen Städten) von „Geheimnissen“ die Rede ist, die man „besichtigen“ kann, meint man damit in der Regel kleine, unscheinbare Orte, Details oder architektonische Besonderheiten, die nicht auf den ersten Blick auffallen – aber eine Geschichte erzählen, überraschen oder berühren. Es sind oft keine „Geheimtipps“ im Sinne von unentdeckten Orten, sondern eher kulturelle, fast poetische Kuriositäten, die den Charakter der Stadt besonders spürbar machen.

Das „Flüstergewölbe“ – Voltone del Podestà: Unter dem Torre dell’Arengo am Piazza Maggiore liegt ein Kreuzgewölbe, das wie ein unspektakulärer Durchgang aussieht – bis man ein leises Spiel entdeckt: Wenn zwei Personen sich diagonal gegenüber in die Ecken stellen und einer ganz leise spricht, hört der andere jedes Wort, als stünde er direkt daneben. Akustik, die Magie wird. Früher flüsterten hier wohl auch Beichtende mit Geistlichen – heute sind es Liebeserklärungen, Kindergelächter oder neugierige Tourist*innen.

Das Fenster zum „Klein-Venedig“ – Finestrella di Via Piella: Bologna war früher von einem dichten Netz an Kanälen durchzogen – das man heute kaum noch sieht. Doch in der Via Piella verbirgt sich in einer Hauswand ein kleines Fenster. Wenn man es öffnet, blickt man unvermittelt auf ein romantisches Stück Wasserstraße, eingerahmt von Häusern – wie in Venedig. Man erwartet es nicht – und ist genau deshalb kurz sprachlos.

Die Lampe der Neugeborenen – La Lampada dei Neonati: Man läuft leicht daran vorbei – und merkt erst später, dass man etwas verpasst hat. An einer Hauswand der Via San Vitale, ganz in der Nähe des alten Ospedale di Santa Maria della Vita, brennt eine kleine Lampe. Meist still, manchmal kaum sichtbar, aber immer da. Sie trägt den Namen Lampada dei Neonati – Lampe der Neugeborenen. Früher war sie mit dem Krankenhaus verbunden, in dem Kinder zur Welt kamen. Immer wenn ein neues Leben geboren wurde, wurde diese kleine Lampe entzündet. Heute leuchtet sie dauerhaft. Nicht, weil ständig Kinder geboren werden – sondern als stilles Symbol: für das Wunder des Anfangs. Für das Lebenslicht. Für all die Namen, die noch nicht gesprochen werden können. Es ist ein Ort, der nichts „zeigt“, aber viel bedeutet. Wer kurz innehält, merkt, wie zart ein öffentlicher Raum plötzlich intim werden kann. Und dass Erinnerung und Hoffnung manchmal in einer einzigen kleinen Flamme wohnen.

Die drei Pfeile im Holzbalken – Corte Isolani: In einem der Bögen im Durchgang zur edlen Corte Isolani in der Strada Maggiore stecken – fast unsichtbar – drei echte Pfeile im Holzbalken der Decke. Der Legende nach wurden sie von Attentätern abgeschossen, die durch den plötzlichen Anblick einer nackten Frau abgelenkt wurden (eine Geschichte, die natürlich so absurd ist, dass man sie fast glauben möchte). Die Pfeile blieben stecken – und sind heute stumme Zeugen eines mythischen Moments.

Die unsichtbare Fassade – Basilica di San Petronio: Auch kein echtes Geheimnis mehr, aber ein schönes: Die riesige Hauptkirche am Piazza Maggiore hat bis heute keine vollendete Fassade. Der untere Teil ist mit weißem Marmor verkleidet, der obere jedoch nur roter Backstein. Der Grund: Geldnot, politische Konflikte – und vielleicht die Tatsache, dass Schönheit in Bologna nie gleich Perfektion war.

Ein paar Schritte weiter: das ehemalige jüdische Viertel. Die Straßen werden enger, leiser, aufmerksamer. Keine großen Denkmäler, keine touristischen Markierungen. Und doch: spürbar. Auf der Via de’ Giudei hängt eine kleine Erinnerungstafel, zurückhaltend, leicht übersehen. Ich bleibe stehen. Die Luft verändert sich. Es ist immer wieder dieser Moment, in dem man merkt, dass Geschichte nicht vergangen ist, sondern Raum einnimmt. Leise, durchlässig, aber da.

Ausflug nach San Luca,
oder doch nach Mailand, Venedig oder Rimini?

Ausblick von San Luca

Es ist mein Urlaub und ich kann mein Glück kaum fassen: Pünktlich zu meiner Ankunft in New York zeigt die Grimm Gallery Caroline Walkers Solo-Ausstellung The Holiday Park. Der Titel der Ausstellung, The Holiday Park, beschreibt den Ort an dem die Bilder entstanden sind und der durch die Gemälde reproduzieren wird. Ein Ort, an dem Erholung praktiziert, aber auch inszeniert wird und die Arbeit dahinter oft unsichtbar scheint. Wie schon in früheren Werkzyklen macht Walker die oft übersehene Fürsorgearbeit sichtbar – eine Arbeit, die größtenteils von Frauen verrichtet wird.

Walker, geboren 1982 in Dunfermline, Schottland, ist bekannt für ihre atmosphärisch dichten, großformatigen Gemälde, die Frauen in Momenten des Übergangs oder bei routinierten Tätigkeiten zeigen. Ihre Malerei bewegt sich zwischen Beobachtung und Inszenierung, Fotografie und Erinnerung, sozialer Dokumentation und persönlicher Reflexion. Mit The Holiday Park setzt sie ihre künstlerische Auseinandersetzung mit Care-Arbeit in einem neuen Kontext fort: dem scheinbar idyllischen Ferienresort. A setting that is artificial yet familiar, posed for the purpose of elevating the leisure of guests and minimising their perception of labour. 

Die Ausstellung zeigt Frauen in Uniformen, beim Putzen der Gästezimmer, beim Zubereiten von Speisen, bei der Kinderbetreuung.

Ein Bild zeigt eine Bademeisterin im Vergnügungsbad, deren Blick auf Gäste gerichtet ist, die in Whirlpools entspannen.

Auf anderen Bildern sind Frauen beim Abendprogramm zu sehen: Backstage, kurz vor ihrem Auftritt, beim Schminken und dann während der Aufführung aus der Perspektive der Zuschauenden, wo ihre Gesichter im Dunkel der Bühne verschwimmen und unkenntlich werden. Ihre Arbeit und Personen dahinter bleiben präsent und gleichzeitig anonym. Ihre individuellen Gesichter sind nicht mehr erkennbar.

Schon vor vier Jahren hatte ich erstmals eine Ausstellung von Walker gesehen, damals in Den Haag. Noch mitten in der Pandemie, sodass die Frauen auf den Bildern Masken trugen, genauso wie die Besucher:innen der Ausstellung dazu angehalten waren. Covid und Masken sind längst aus dem Alltag der meisten verschwunden. Reisen, Tourismus und alltägliches Vergnügen sind nicht mehr durch Corona-Maßnahmen eingeschränkt. Der Holiday Park spiegelt dies für mich einmal mehr wider.

Dort, wo andere genießen, andere ausruhen und pausieren, wo sie sich zurücklegen und dafür bezahlen, dort sind auch Hände, die nie ruhen. Blicke, die sich dem Betrachtenden entziehen. Frauen, die völlig in ihre Tätigkeit vertieft sind und gerade dadurch einer einfachen Lesbarkeit entgleiten.

… her family’s own experience as holidaymakers and (…)

a record of the smoothly choreographed work of the women who made their holiday possible.

Die Ausstellung selbst ist reduziert. Sie umfasst nur wenige großformatige Hauptwerke, ergänzt durch einige schwarz-weiße Skizzen, die im Untergeschoss zu finden sind. Und doch haben die Bilder mir, ohne Vorwissen, eindrücklich die Erfahrung Walkers vermittelt: Walker gelingt es, mit malerischen Mitteln eine stille, subtile Dringlichkeit zu erzeugen. Indem sie den Alltag von Care-Arbeiterinnen darstellt, regt Walker eindrucksvoll zur Reflexion an. Obwohl Care Arbeit die Grundlage dafür schafft, dass Menschen überhaupt unbezahlt und bezahlte Leistung ausführen können, fehlt es nach wie vor an ausreichender finanzieller, aber auch gesellschaftlicher Anerkennung. 

Während Care Arbeit vor allem im Kontext von Familien, Pflege und Betreuung diskutiert wird, beschäftigt sich die Ausstellung Holiday Park mit Care Arbeit im Bereich der Erholung. Denn auch ausreichend Erholung beeinflusst maßgeblich das Wohlbefinden und die Gesundheit.

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Leni hat ihren Bachelor und Master der Ökotrophologie in Gießen und Bologna absolviert. Aktuell promoviert sie in Dresden. Neben Essen und Italien, liebt sie den Sommer, die Natur und ihren Hund Ugo. In ihrer freien Zeit verliert sie sich gerne in Büchern oder auch schnell mal in eigenen Gedanken. In ihren eigenen Texten setzt sie sich oft mit alltäglichen Erfahrungen und Beobachtungen auseinander. Denn gerade diese sind es, mit denen Beziehungs- und Gesellschaftsstrukturen aufgezeigt werden können.

Mehr von Lenis Texten könnt ihr hier lesen.

Ich betrachte die Bilder in Caroline Walkers Ausstellung Windows, die vom 28. August 2021 bis 28. November 2021 im Kunstmuseum KM21 in Den Haag zu sehen war. Den Titel ihrer ersten Solo-Ausstellung erklärt die schottische in London lebende Künstlerin (geb. 1982) wie folgt:

“The window has been a motif in my work for at least ten years or so. Primarily it’s a compositional device that literally frames what I want a viewer to look at. In a lot of my paintings there’s always something you have to look through or past to get to the subject of the work. You’re almost like a voyeur I suppose, looking in on others lives.”

So ist auch das Leitmotiv der Ausstellung das Fenster: „a classic motif in art, which also serves as a metaphor:

"the painting as a window on the world or a window as a reflection of reality.”

Einige der Bilder bieten nicht nur metaphorisch, sondern tatsächlich einen (Ein-)Blick durch ein Fenster in das Leben der dargestellten Frauen. Denn diese sind es ,mit denen sich Walker auseinandersetzt. Die 20 Bilder sind eine Einladung innezuhalten und zu reflektieren, wie wir auf andere Menschen und insbesondere Frauen blicken. 

Zunächst fällt es mir gar nicht auf, dass die Frauen auf den Bildern Masken tragen, so sehr ist die Pandemie bereits zur alltagsgestaltenden Normalität geworden. Ein anderes Bild zeigt Walkers Nachbarin, die mit ihrem Hund während des Lockdowns zu Beginn der Pandemie spazieren geht. Das Bild macht die Enge und Begrenzung, die vor allem Stadtwohnungen mit sich bringen, sichtbar und zugleich erfahrbar. 

In einem Interview weist Walker explizit darauf hin, dass die Pandemie einmal mehr gezeigt hat, dass Berufe, in denen vorrangig Frauen arbeiten, essentiell sind: Carearbeiter:innen wie Krankenpfleger:innen oder Erzieher:innen aber auch Verkäufer:innen. Sektoren, die weiblich dominiert sind, in denen zugleich prekäre Arbeitsverhältnisse herrschen waren jene, die die Versorgung in der Pandemie sichergestellt haben und dies nach wie vor tun.

So spiegeln Walkers Bilder nicht nur die aktuelle Corona-Pandemie wider, sie dokumentieren die Rolle der Frau in der Gesellschaft. 

Denn bereits vor der Pandemie hat sich Walker insbesondere mit Frauen und ihrer Arbeit auseinandergesetzt. Anders ausgedrückt der frauenspezifischen Arbeit. Insbesondere seit 2016 inszeniert Walker ihre Bilder nicht mehr, sondern hat einen dokumentarischen Stil entwickelt. So besuchte sie bewusst Frauen in ihrer (Arbeits-)Umgebung und lernte sie persönlich kennen, bevor sie ihre Portraits anfertigte. 

Aus dieser Serie stammen beispielsweise die Bilder einer geflüchteten Frau, in ihrer neuen, eigenen Unterkunft. Ebenso wie jenes einer Putzkraft in einem Hotel. In einem Interview erzählt sie, wie sie sich während des Malprozesses dem Privileg, das sowohl ihre Mutter als auch sie selber haben, bewusst geworden ist. Während die vorigen Generationen an Frauen ihrer Familie selbst als Putzkräfte gearbeitet haben und für das Putzen fremder Häuser bezahlt wurden und zusätzlich noch unbezahlt das eigene Haus geputzt haben, müssen ihre Mutter und sie nicht mehr gegen Bezahlung fremde Häuser putzen. So finden sich in der Ausstellung auch sehr persönliche Bilder, in denen Walker ihre Mutter, Schwester sowie ihre eigene Tochter in ihrer häuslichen Umgebung zeigt.

Während einige von Walkers Bildern eine bewusste Beschäftigung mit einzelnen Personen darstellen, sind andere eine voyeuristische Momentaufnahme.

Es sind Blicke in Friseursalons oder ein Hochzeitsmodegeschäft, die Walker realisiert. Spannend ist der Kontrast der realen Frauen und den Modepuppen und Werbeanzeigen, in denen Frauen dargestellt werden. Während es im echten Leben passieren kann, sich in medialen Illusionen idealisierter Frauen zu verlieren, passiert es mir mit Walkers‘ Bilder nicht. Im Gegenteil, gerade dieser Kontrast lässt mich mit den echten, nicht unbedingt idealtypischen Frauen sympathisieren. Jene sind es mit denen ich mich identifizieren kann und auch will.

Caroline Walker gelingt es mit ihren Bildern nicht nur die häufig als unsichtbar bezeichnete Arbeit, welche vorrangig von Frauen erledigt wird, sichtbar zu machen. Sie schafft es auch, mich dazu anzuregen, mich mit den Frauen auseinanderzusetzen. Mich zu fragen, wer sie sind, ganz unabhängig von der Arbeit, die sie auf den Bildern teilweise verüben. Wovon träumen sie genau in diesem Moment? Worüber unterhalten sie sich? Was ist ihre individuelle Geschichte?

Es gelingt Walker, also nicht nur Arbeit sichtbar zu machen, die häufig verborgen bleibt oder bewusst nicht gezeigt wird, sie gibt dieser Arbeit Gesichter.

Statt der Dienstleistung steht das Individuum im Vordergrund, mit welchen die Bilder einladen zu sympathisieren. 

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Leni lebt aktuell in Frankfurt, von wo aus sie ihren Master in Ökotrophologie beendet. Zuvor hat sie anderthalb Jahre in Bologna gelebt und studiert. Neben Essen und Italien, liebt sie den Sommer und die Natur. In ihrer freien Zeit verliert sie sich gerne in Büchern oder auch schnell mal in eigenen Gedanken und Grübeleien. Ihre aktuelle Obsession ist Sally Rooney. In ihren eigenen Texten setzt sie sich oft mit alltäglichen Erfahrungen und Beobachtungen auseinander. Denn gerade diese sind es, mit denen Beziehungs- und Gesellschaftsstrukturen aufgezeigt werden können.

Vor einem Monat hat Taylor Swift ihr viertes Album Red neu veröffentlicht. Innerhalb der ersten Woche kletterte das ursprünglich 2012 erschienene Album an die Spitze der Charts und brach zahlreiche Rekorde, was für ein neu aufgenommenes Album, bei dem es sich nicht um eine Greatest Hits Compilation handelt, durchaus ungewöhnlich ist. In diesem Artikel habe ich die Ehre, über meine Lieblingskünstlerin zu schreiben und zu erklären, warum Taylor Swift für mich mehr als bloß eine Musikerin und Red mehr als nur ein Album ist. 

Background: Eine kurze Reise durch 15 Jahre Taylor Swift

• Die Alben: Taylor Swift hat neun Studioalben veröffentlicht. Red markierte 2012 einen Höhepunkt ihrer musikalischen Karriere, die 2006 mit der Veröffentlichung ihres ersten Albums begann und im Laufe derer unzählige Grammys und sogar Guinness Weltrekorde an die Sängerin gingen. Wichtige kommerzielle und musikalische Meilensteine dieser Karriere waren die Alben Fearless (2008), 1989 (2014) und die Schwesteralben Folklore (2020) und Evermore (2020). Und natürlich Red, das 2012 erschien und nun von Swift neu aufgenommen wurde. 

• Musikkarriere und Durchbruch: Swift begann ihre Karriere als Country Sängerin in Nashville. Mit Songs wie Love Story oder You Belong With Me gelang ihr 2008 der internationale Durchbruch. Nach 2010 begann sie, die vertrauten Country-Gefilde zu verlassen und experimentierte mit anderen Genres. Red markierte dabei die Brücke zwischen ihren musikalischen Wurzeln und einer deutlich elektronischeren Pop-Musikerin, zu der sie sich auf ihren späteren Alben entwickeln sollte. So gelang Swift mit dem darauf folgenden Album 1989, ihrem ersten vollständigen Pop Album, der bisher größte Erfolg.

• Krise, kreative Einflüsse & Rückkehr: Zwischen der Veröffentlichung der Alben 1989 (2014) und Reputation (2017) befand sich Swift nach eigener Aussage in einer persönlichen Identitätskrise, die sich in ihrer kreativen Arbeit in den düsteren Trap, sowie R&B beeinflussten Elektropop-Klängen niederschlug, die Reputation musikalisch ausmachten. Die Zeitspanne, sowie den Vorlauf zum Album Lover (2019) thematisiert die Sängerin in der Netflix-Dokumentation „Miss Americana“. Während der Pandemie nahm Swift die Schwesteralben Folklore und Evermore auf, die erstmals weniger autobiographische Elemente enthielten, sondern sich auf das Erzählen fiktiver Geschichten konzentrierten. Ebenso wechselte Swift erneut das Genre von Pop zu Indie-Folk und konnte so, nach den (in Relation) weniger erfolgreichen Alben Reputation und Lover wieder einen großen internationalen Erfolg erzielen und u.a. mit Folklore den Grammy für die Kategorie Album of the Year gewinnen. 

• "Taylor's Version"-Rerecordings: Das Jahr 2021 widmete die Musikerin der Neuaufnahme und Veröffentlichung ihrer frühen Alben Fearless und Red.  Hintergrund ist ein langjähriger Rechtsstreit mit ihrem ehemaligen Label Big Machine Records über die Besitzrechte ihrer ersten sechs Alben, auf den später in diesem Artikel eingegangen wird.

Die Bedeutung von Red

Taylor Swift versteht es, ihren Alben eine übergeordnet thematische Bedeutung zu geben. Ihre Veröffentlichungen tragen eine Fassade, die über das Albumcover hinausgeht und sich in einer bestimmten Stimmung niederschlägt. So war Reputation eine musikalische Abrechnung mit den Verleumdungen und Anfeindungen, die Swift während ihrer Karriere erlebte und ein gleichzeitiges Bekenntnis zu sich selbst, unabhängig von ihrem Ruf. Folklore war minimalistisch und magisch zugleich, wie es Lagerfeuergeschichten sind. Evermore bewies, dass man diese Geschichten wieder und wieder erzählen kann. Musik ist für gewöhnlich eine Mischung aus Text, Instrumentalik und Stimme. Bei Swift ist dies nicht anders, bloß steht in ihrer Musik meist im Vordergrund, eine Geschichte zu erzählen. Und Red sollte die Geschichte der Liebe erzählen, in allen Facetten und Farben:

Losing him was blue, like I'd never known

Missing him was dark gray, all alone

Forgetting him was like trying to know somebody you never met

But loving him was red

Die vorhergegangene Passage über die Kohärenz von Swifts Alben soll keineswegs bedeuten, dass sie eintönig oder musikalisch homogen sind. Red ist hierfür das Paradebeispiel. Auf ursprünglich sechzehn Tracks experimentierte Swift mit etlichen Genres: Von Country über Arenarock, von Dubstep bis Pop. Hier fand man euphorische und kräftige Stücke wie State of Grace, Holy Ground und Starlight, verträumte und ruhige Lieder wie Begin Again und Everything Has Changed, die bekannten Chartsongs I Knew You Were Trouble, 22 und We Are Never Ever Getting Back Together und schließlich auch jene Stücke, aus denen ein gebrochenes Herz spricht, namentlich vor allem The Last Time, I Almost Do, Sad Beautiful Tragic und das emotionale Herzstück des Albums: All Too Well.

Nach neun Jahren ist Red zurück und hat sich in der Zahl der Songs beinahe verdoppelt: All Too Well klingt noch schmerzhafter und ist in seiner ursprünglichen ungeschnittenen Länge von zehn Minuten aufgenommen worden und die Farbe Rot scheint intensiver zwischen den Zeilen hindurch als zuvor. 

And you call me up again just to break me like a promise

So casually cruel in the name of being honest

I'm a crumpled-up piece of paper lying here

'Cause I remember it all too well

Zweifellos hatte Red auf Swifts Karriere einen prägenden Einfluss. Es war das Break-Up-Album schlechthin, wie sie später betonen würde. Zudem verankerte es die Sängerin fest auf dem musikalischen Radar. Nicht nur ihre eigene Karriere wurde durch Red entscheidend geprägt. Auf der Tour zum Album brachte sie niemand geringeren mit als einen soeben in Großbritannien sehr populär gewordenen Singer-Songwriter: Ed Sheeran. Beide nahmen für Red zwei Songs auf und wurden gute Freunde.

Red kann uns nicht nur viel über die Ekstase und das Feuer des Verliebens lehren, sondern auch über den Schmerz des Zerbrechens einer Beziehung, der Einsamkeit der Zurückgelassenen und die verschiedenen Facetten des höchsten der Gefühle.

Vor allem aber spendet es Hoffnung, dass Liebe wieder und wieder beginnt, ob sie nun in einem Zustand der Anmut rot brannte oder auf tragische Art endete. Dort wo sie hinfällt, geschieht etwas besonderes. Dort ist heiliger Boden.

I've been spending the last eight months

Thinking all love ever does

Is break and burn, and end

But on a Wednesday in a cafe

I watched it begin again

Nun da geklärt ist, warum Red ein besonderes Album war, bin ich noch eine Erklärung schuldig, warum es mehr als nur eine Neuveröffentlichung ist.

Vom Stehlen, Zurückgeben und Verändern

Es gibt keinen einfachen Weg zu erklären, warum Taylor Swift ihre alten Alben neu aufnimmt. 2017 lief ihr Vertrag bei Big Machine Records aus, woraufhin sie zu Revolution Records wechselte. Ihr altes Label behielt die Rechte an ihren ersten sechs Alben. 2019 kam es zum offenen Bruch, als Swifts Songs ohne ihr Wissen für 300 Mio. $ an Scooter Brauns Ithaca Holding verkauft wurde.

Swift wurde in der Folge untersagt, ihre Songs in der geplanten Netflix Dokumentation „Miss Americana“ zu verwenden oder gar live zu spielen. Im selben Jahr kündigte sie daher an, alle ihre bis 2017 erschienenen Songs neu aufzunehmen.

Swifts Fall ist nicht ungewöhnlich. Paul McCartney kämpft beispielsweise heute noch um die Rechte an Beatles-Songs, die er und John Lennon in den 1960ern geschrieben haben. Die Übergabe von jeglichen Rechten an selbstgeschriebenen und aufgenommenen Songs ist eine Vertragsklausel, die viele unbekannte und junge Künstler:innen in Kauf nehmen müssen, um bei einem Musiklabel zu landen. So erging es auch der 15-Jährigen Taylor Swift im Jahr 2005. Trotzdem hat sie einen Weg gefunden, sich durch pure Schaffenskraft dieser Vertragsfessel zu entziehen. Swifts Output in den letzten 18 Monaten war gewaltig: Sie hat vier Alben veröffentlicht, zwei davon wurden gänzlich neu geschrieben. Es handelt sich um 90 Songs, von denen über die Hälfte zum ersten Mal hörbar waren. Mit ihrem bisherigen Erfolg hätte Swift bequem die Füße hochlegen können. Stattdessen hat sie trotz dem Verlust ihrer ersten sechs Alben einen Weg gefunden, die Musikindustrie auszuhebeln und gleichzeitig ihren langjährigen Fans etwas sehr Besonderes zurückzugeben. 

Jedes neuaufgenommene Album beinhaltet Songs „from the Vault“, die von der ursprünglichen Fassung gestrichen wurden, um sie auf verkaufsnormierte Länge zu stutzen.

So vergrößerte sich Red auf Taylors Version von einer ursprünglichen Runtime von 16 Songs auf 30 Songs. Sie nutzte die Gelegenheit, um den Fan-Favoriten All Too Well hervorzuheben, veröffentlichte eine zehnminütige Fassung des Songs und drehte außerdem mit den Schauspielern Dylan O’Brien und Sadie Sink einen Kurzfilm zum Song.

In der neu aufgenommenen Version begegnet uns Red als ein Album, dass nicht allein die Liebe im romantischen Sinne thematisiert, sondern auch die Liebe zwischen Freunden, wie in Forever Winter. Ein besonders tragisches Beispiel ist der Song Ronan, in dem Swift die Liebe einer Mutter zu ihrem verstorbenen Kind thematisiert. Inspiriert wurde sie von der Geschichte des vierjährigen Ronan Thompson, der 2011 an Krebs starb. Während einer Tour begegnete sie seiner Mutter und schrieb den Song basierend auf den Blogbeiträgen von Ronans Mutter, in denen sie den Verlust ihres Kindes aufarbeitet.

Flowers pile up in the worst way, no one knows what to say

About a beautiful boy who died

And it’s about to be Halloween, you could be anything

You wanted if you were still here 

I remember the last day when I kissed your face 

And whispered in your ear

Come on, baby, with me we’re gonna fly away from here

Diese Vault-Songs zeigen außerdem, dass Swift ihre politische Identität womöglich sehr viel früher entwickelt hat, als wir seit „Miss Americana“ zu wissen glaubten. Der Song Nothing New mit Phoebe Bridgers thematisiert beispielsweise die Doppelmoral, mit der Frauen bewertet werden: 

They tell you while you're young

"Girls, go out and have your fun"

Then they hunt and slay the ones

Who actually do it

Dann ist da schließlich noch das offensichtliche „Fuck the Patriarchy“ im Text der 10-Minuten Version von All Too Well. Zugegeben, die Zeile bezieht sich auf die Aufschrift eines Autoschlüsselanhängers, doch die Art und Weise, wie Swift diese explizite Stelle in der Saturday Night Live Show von Jimmy Fallon performte, schließt jeden Zweifel an ihrer Überzeugung hinter dieser Zeile aus. Ein Lächeln und Augenbrauenhochziehen sagen manchmal mehr als 1000 Worte.

Man muss Taylor Swift für diese beiden Beispiele keine Medaille verleihen, jedoch arbeitet sie seit Jahren daran, dass sich die Verhältnisse für Frauen in und außerhalb der Musikindustrie verändern. So spendete Swift 250.000$ für Keshas Rechtsstreit gegen ihren ehemaligen Produzenten, der sie sexuell missbraucht haben soll. Als Swift sich selbst in so einem Rechtsstreit gegen David Mueller befand, der 2013 gegen sie körperlich übergriffig geworden war und sie infolge der Anklage wegen Diffamierung auf drei Millionen Dollar zu verklagen versuchte, brachte Swift eine Gegenklage auf einen Dollar Schadensersatz ein und gewann den Fall.

Es war eine symbolische Geste der Solidarität mit allen Opfern sexueller Gewalt, denen kein Glaube geschenkt wurde.

Dieser Dollar stand dafür, dass der angerichtete Schaden nicht mit Geld, sondern nur mit Anerkennung des erlittenen Leides gemildert werden konnte.

Taylor Swift hat durch ihren Erfolg zweifellos Macht und Einfluss in der Musikindustrie gewonnen. Diese Macht zeigt sich vor allem darin, dass sie ihre musikalische Karriere nach Gutdünken bestimmen kann. Weder ist sie an ein Label noch an Marketing gebunden. Neben den genannten Beispielen und weiteren Fällen, in denen sie Studienkredite ihrer Fans zahlte, sich für Homosexuelle einsetzte, Krebsbehandlungen finanzierte und sich öffentlich für Frauenrechte wie das Recht auf Abtreibung einsetzte, nutzt sie diese Macht, um häufig im Hintergrund Gutes zu tun.

Red (Taylors Version) ist nicht einfach nur ein Album mit vielfältiger, beeindruckend geschriebener und produzierter Musik, sondern ein weiterer Schritt auf Swifts Weg, die Musikindustrie nachhaltig zu verändern. Swift hat die volle Kontrolle über ihr Lebenswerk übernommen und ihr eigenes Narrativ zurückerobert.

Sie hat mit ihren bisherigen Re-Recordings einen Weg vorgezeichnet, auf dem die Musik den Künstlern gehört, die sie erschaffen haben und nicht der Industrie, die sie vermarktet. Das ist das Zeichen, das Taylor Swift mit ihrem Schaffen an junge Künstler:innen und Frauen sendet. Es geht über Musik hinaus.

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Simon Peters hat Politikwissenschaften, Soziologie und Geschichte in Bonn studiert und sich in diesem Rahmen auf Internationale Beziehungen spezialisiert. Aktuell arbeitet er dort bei einem vom Bundesministerium für wirtschaftliche Zusammenarbeit und Entwicklung ins Leben gerufenem Service für Entwicklungsinitiativen. Er schätzt den gesellschaftlichen Diskurs, begeistert sich für Sprachen und kann sehr ausdauernd über Dinge aller Art nachgrübeln. Besonders am Herzen liegen ihm Themen der sozialen und ökologischen Gerechtigkeit. Gerne mag er laute und leise, fröhliche und traurige Musik und kann für Stunden am Stück ohne Bedenken in einem Bücherladen abgesetzt werden. Auf Sans Mots schreibt er über Literatur, Musik und versucht sein Bestes, individuelle Geschichten und (sozial)wissenschaftliche Themen in einen Kontext zu setzen. 

Parkplatzsuche ist meine Meditation. 10 Minuten täglich, in denen mich nichts anderes beschäftigt als die Suche nach der Nadel im Heuhaufen der nördlichen Kölner Altstadt. So meditiere ich auch an jenem Dienstagabend mit 23km/h (perfekte Parkplatzsuchgeschwindigkeit) durch die Straßen und bin so glücklich, einen Parkplatz nur wenige Meter von meiner Wohnung entfernt zu finden, nämlich direkt vor dem Büdchen in unserem Veedel. Ich habe einen Anwohnerinnenparkausweis, hier kann ich stehen bleiben – denke ich. Erwin wird mir erklären, dass ich in dieser Annahme irre. 

Der nächste Morgen, ich gehe zum Auto, der Büdchenbesitzer steht rauchend vor seinem Laden. Ich will mich gerade ins Auto setzen, da tritt Erwin auf. Den roten Bademantel über den Frotteeschlafanzug gezogen schlappt er in seinen Hausschuhen über die Straße, den Mund-Nasen-Schutz stilecht als Schnörreswärmer unter der Nase befestigt, auf dem Weg zum Büdchen um den Express, Zigaretten oder eine Packung H-Milch zu erwerben. Soweit eine völlig gewöhnliche Situation in Köln um 08:15 Uhr.

Doch zunächst hat Erwin es gar nicht aufs Büdchen abgesehen, sondern auf mich. „He, Frollein!“ ruft er und die Maske bebt bedrohlich. 

Ich ignoriere das zunächst – solche Ansprachen kennen wir doch leider alle, und Ignorieren ist mit Blick auf die eigenen Kraftreserven häufig das Beste. Doch Erwin lässt nicht locker, er hat sein Tempo jetzt soweit erhöht, wie es seine Bademantel-Hausschuh-Kombi zulässt und steuert mit wiederholtem „He, Frollein!“ direkt auf mich zu.

An meinem Auto angekommen, kommt er mir pandemieignorierend nahe und schnaubt mit Blick auf den Büdchenbesitzer „Ich hoffe Sie bezahlen ihm den Parkplatz“. Jetzt verstehe ich, natürlich. Ich stehe auf einem öffentlichen Parkplatz, aber in Erwins Weltbild gehört er dem Büdchenbesitzer. Im Nachhinein über so eine Situation zu schreiben ist sehr viel einfacher als in ihr geistesgegenwärtig zu reagieren. Ich schaue Erwin an, sage „Ich bin für Sie kein Frollein“ und steige ins Auto. Hinterher bin ich ein bisschen stolz auf diese Reaktion. Was nacherzählt lustig und unterhaltsam klingen mag, ist in Wirklichkeit und in der Situation vor allem eins: übergriffig.

Es ist die mehrfache, geschriene Ansprache über die Straße hinweg, die von mir unerwünschte Nähe, die er ohne zu fragen aufbaut, die Selbstverständlichkeit mit der er glaubt sich mir nähern und mir einen Raum zuweisen oder absprechen zu können. - Vor allem sagt es viel aus über die Frage, wem der öffentliche Raum zu gehören scheint.

Als ich nach dieser Begegnung mit dem Auto losfahre, rappt Shirin David aus den Lautsprechern „Ob ich’s hab, ja ich hab das Recht, immer zu tun und zu lassen was ich will, yuh, keiner sagt mir was ich darf“. Wenn wir über die Lebensrealität von Frauen und über Fragen der Geschlechtergerechtigkeit sprechen, sprechen wir häufig vom Gender Pay Gap, von unbezahlter Care-Arbeit, von sexualisierter Gewalt. Insbesondere bei Letzterem überwiegt in unseren Köpfen das Bild von Frauen, die auf dem Nachhauseweg gewaltvoll ins Gebüsch gezerrt werden. Diese Fälle gibt es und es sind zu viele. Aber sie sind nicht alles. Und sie täuschen uns häufig darüber hinweg, dass es viele, viel weniger manifeste Dinge gibt, die sich wie tausende Mosaiksteinchen am Ende des Tages zu einem Bild zusammensetzen, das sagt: Dass du dich als Frau im öffentlichen Raum bewegst, ist nicht selbstverständlich; er gehört dir nicht. Wie häufig senken Frauen im öffentlichen Raum den Blick, wie häufig wechseln sie die Straßenseite, um keine Aufmerksamkeit auf sich zu ziehen, um einer potentiellen Gefahr aus dem Weg zu gehen? Wie häufig bemühen wir abends ein Werkzeug aus der Trickkiste aus Fake-Telefonaten, aus echten Telefonaten, aus einer bestimmten Haltung des Hausschlüssels in der Hand? Wie häufig weichen wir aus, weil die älteren Männer, die uns entgegen kommen wie selbstverständlich davon ausgehen, dass wir es tun? Es ist ein Verhaltensmuster, das sich vor allem auf eins hinunterbrechen lässt: Passivität. Wir passen uns an eine Situation an, wir beschränken uns auf den Raum, der übrig bleibt, häufig weil alles andere mit Gefahr für die eigene Sicherheit einherginge. 

Was können wir, was können Männer nun tun? Ich erwarte nicht, dass uns Platz im öffentlichen Raum zugewiesen wird – uns muss nichts zugewiesen werden, was uns naturgemäß zusteht, es wäre zynisch und ich hätte nicht vor mich dafür zu bedanken.

Aber jeder Mann kann die freie gedankliche Kapazität, die er ob der Tatsache, dass er nicht darüber nachdenken muss, wie er sich im öffentlichem Raum bewegt, nutzen und das Ganze beim nächsten Spaziergang, bei der nächsten U-Bahn-Fahrt einfach mal beobachten. Es ist spannend, und es ist erzürnend.

Als ich am Abend wieder ins Veedel einbiege, rappt Shirin David immer noch „keiner sagt mir was ich darf“ aus dem Lautsprecher. Und plötzlich wird mir bewusst, dass das Lied nur funktioniert, weil es eine Utopie beschreibt. Es stimmt nicht, alle sagen ihr was sie darf und was nicht. Das Lied funktioniert, weil es eben nicht so ist, weil es eben explizit Erwähnung finden muss, dass ihr niemand sagt, was sie darf. Selbstermächtigung, gerappt in 2:31 Minuten. Manchmal finden wir Selbstermächtigung in Raptexten, manchmal bei der Parkplatzsuche, manchmal im nicht gesenkten Blick. Bis zu dem Tag an dem es keiner Selbstermächtigung mehr bedarf, bin ich dankbar für meine Einparkkünste, für Shirin David und für jede andere Frau, die weiß: Sie darf das. 

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Carolin Jacobi ist 28 Jahre alt und lebt in Köln und ist seit 2021 Teil des Teams von Sans Mots. Neben Fuerteventura und Ferdinand von Schirach liebt Jacobi Sprache, Popkultur und feine Dinge und schreibt seit ihrer frühen Kindheit. Sie interessiert sich für Fragen des gesellschaftspolitischen Tagesgeschehens, Formen der menschlichen Begegnung und möglichst simple Memes. Auf Sans Mots schreibt sie die Kolumne „Und sonst so?“ über die großen Fragen in den kleinen Dingen unseres Zusammenlebens.

Viele Menschen fragen uns, wieso es so wichtig ist über Kunst nachzudenken, von ihr zu lernen und vor allem über sie zu sprechen. Ob es denn nicht ein „unnötiges Luxusgut“ sei, vorbehalten für all die, die „keine anderen Probleme hätten“? Kommt Euch das bekannt vor? Mit den gleichen Worten wird oft argumentiert, wenn es in der öffentlichen Diskussion um mentale Gesundheit geht.

„Ah, etwas zusammenreißen und weiter geht’s. Anderen geht es schlechter und ich kann es mir nicht leisten mich mit meinen „Luxusproblemen“ zu beschäftigen.“ - Wer hat diese oder ähnliche Gedanken nicht schon einmal gehört oder sogar selbst gehabt? Wieso fällt es uns so verdammt schwer über mentale Gesundheit zu sprechen? Wieso ist dieses Thema für viele Menschen immer noch immer noch „ungreifbar“ oder gar eine Art Tabuthema? Und wieso gehen wir häufig davon aus, dass dieses Thema, ähnlich wie die Auseinandersetzung mit Kunst, nur ein unnötiges Luxusgut ist?

Bevor wir vor 23 Jahren nach Deutschland kamen, hatten wir wenig, oder besser gesagt nichts, mit Kunst zu tun. Hier in Deutschland fand Anjelika schnell ihren Weg ins Museum und damit auch ins Studium der Kunstgeschichte. Auch wenn zunächst weniger freiwillig, folgte Karina in die Ausstellungshäuser und lernte schnell, Kunst zu sehen und zu lieben. Aus unserer persönlichen Erfahrung wissen wir, dass wir Kunst brauchen, um das innere Gleichgewicht zu erlangen. Manche gehen in den Bergen wandern, wir gehen ins Museum. Das innere Loslassen, das wertfreie Betrachten, die stille Freude und das überkommende Glücksgefühl kennen wir in dieser Intensität ausschließlich aus der Begegnung mit Kunst. Wieso zieht es uns also in Zeiten mentaler Erschöpfung zur Kunst? Ist es eine persönliche Präferenz oder belegbare Tatsache?

Tatsächlich ergeben Studien, dass regelmäßige Museumsbesuche enormen Einfluss auf die Lebensdauer und Lebensqualität haben.

Es wurde nachgewiesen, dass der Besuch von Kunstausstellungen und ähnlichen Veranstaltungen Risiken unterschiedlicher Krankheiten einschränkt und die Sterblichkeitsrate bei Erwachsenen senkt. Die Forschung legt sowohl neurologische und psychologische Studien vor, die alle den Einfluss von Kunst auf das Wohlbefinden der Menschen belegen. Dies bedeutet also, dass sich Kunst sowohl auf den Geist als auch auf den Körper der Besuchenden auswirkt.

Natürlich schleppen wir uns bei einer Grippe nicht ins Museum, aber wenn wir wieder mal aus der Mitte fallen, Zweifel hegen und nicht mehr weiterwissen, gehen wir in eine Ausstellung. Kunst ist unsere Therapeutin, die uns weiterhilft. Aber jede:r, der schon einmal in Therapie war, weiß dass es auch unangenehm werden kann.

Ähnlich wie eine Therapie muss und soll Kunst nicht immer schön und beruhigend sein. Würden wir uns immer nur an der seichten Oberfläche bewegen, könnten wir nie in die Abgründe schauen, die hinter der stillen Schönheit lauern.

Häufig erleben wir bei unserer Arbeit mit Gruppen, dass Besucher:innen davon getriggert werden. Ein und dasselbe Werk kann bei verschiedenen Betrachter:innen unterschiedliche, ja gegensätzliche Reaktionen auslösen.

Das großformatige Gemälde von Rupprecht Geiger in grellen Rot – Pink- und Orangetönen stellt für die meisten Besucher:innen der Neuen Galerie in Kassel etwas durch und durch Positives dar: ein Sonnenuntergang, Wärme, Licht, Hoffnung. Dennoch gibt es Besucher:innen, die das Bild nicht ansehen können, da es für sie zu viel, zu intensiv, zu brutal oder gar hässlich ist.

„Was sich der Künstler dabei gedacht hat“ ist nebensächlich und die Reaktion des Publikums auf sein Werk liegt außerhalb seiner Kontrolle. Das Erleben eines Kunstwerks macht etwas mit uns und unserer Psyche. Ob wir es wollen und uns zugestehen, oder nicht. Selbst wenn wir eigentlich keine Lust auf einen Ausstellungsbesuch haben, uns dabei langweilen oder den ausgestellten Künstler blöd finden, löst es in uns eine Reihe psychischer und emotionaler Reaktionen aus. Während einer Führung erwähnte eine Dame kürzlich, dass sie die zeitgenössische Kunst rasend machen würde. Sie nannte einige Gründe für ihr Empfinden und gab die Frage an uns zurück. Wie stehen wir zu zeitgenössischer Kunst? Aber die einzig relevante Frage ist doch, wieso sie von ein wenig Farbe auf Leinwand aus ihrem Gleichgewicht gebracht wird? Wem gilt ihre Wut wirklich?

Dass die Kunst Menschen nicht nur entzückt, sondern auch Unbehagen bereitet, ist nicht neu und keineswegs ein Phänomen der zeitgenössischen Kunst. Die Moralisten regten sich damals wie heute über die Zügellosigkeit mancher Sujets auf. Viel härter und lauter fiel die Kritik aus, wenn ein Werk nicht auf Anhieb verstanden wurde.

Edward Munchs „Der Schrei“ von 1893 gilt heute als Ikone der Moderne. Sein zutiefst sensibles Werk berührt Menschen auf der ganzen Welt und ist gleichzeitig Teil der heutigen Popkultur, das auf Memes, T- Shirts und Postern in der ganzen Welt zu sehen ist. Dabei malte Munch häufig nichts anderes als seine eigene Realität. Von Jung an war er mit den belastenden Zuständen, innerer Zerrissenheit, ständigen Selbstzweifeln und Depression bestens vertraut.

Dies und nichts anderes übertrug er in grellen Farben und expressiven Formen auf die Leinwand. Ein Mensch, von dem archaischsten aller Gefühle geplagt – der Angst. Munchs Genie und „Verbrechen“ bestand darin, dies nicht unter dem „schönen Schein“ zu verbergen, sondern das Innerste nach Außen zu kehren und zur Schau zu stellen. Was daraus wurde, kann man erahnen.

Die erste Munch-Ausstellung in Berlin (Munch Fall, 1892) verursachte den größten Skandal, den die Kunstwelt in Deutschland bis dahin erlebt hatte. Im untergehenden Kaiserreich mit der „alles unter den Teppich kehren“-Mentalität war seine „schonungslose Kunst“ zu viel. In jener Zeit, in der das Innenleben mit aller Gewalt unter Verschluss gehalten und das Abweichen von der vorgeschriebenen Norm als krankhaft gedeutet wurde, wollte und konnte ein Großteil die Werke des Künstlers nicht sehen.

Damals, als die Erforschung der menschlichen Psyche noch in Kinderschuhen war, legte Munch den Grundstein für die Künstler:innen, die fortan ihr Inneres nach außen kehren würden.

Zu seinen Lebzeiten war das Publikum noch nicht darauf vorbereitet. Beim Betrachten Munchs düsterer Bilder schien das längst Verdrängte jedes Einzelnen an die Oberfläche zu kommen und man hielt es schier und einfach nicht aus. Zu groß war die Gefahr den eigenen inneren Dämonen zu begegnen. Die Ausstellung wurde zu einem ungeheuren Skandal und nach nur einer Woche geschlossen.

Aber mal ganz ehrlich: Waren es wirklich die Malweise, das Sujet oder der Farbauftrag, die das Publikum, die Kunstkritiker oder Malerkolleg:innen so wütend machten? Ob in der Kunst oder im täglichen Dasein sollten wir uns öfter die folgende Frage stellen: Warum macht mich ein schwarzes Gemälde, ein Fettfleck, die entstellte Skulptur, eine Performance traurig, sauer oder wütend? Liegt es WIRKLICH an dem was ich sehe, oder an dem was ich in mir nicht sehen will? Denn am Ende gilt: Ob im Museum oder in der Therapie, im Grunde genommen begegnen wir immer wieder nur uns selbst.

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Anjelika und Karina sind Mutter und Tochter, Kolleginnen aber vor allem begeisterte Kunsthistorikerinnen. Neben Kunstgeschichte studierte Anjelika Soziologie und Psychologie und Karina Vergleichende Kultur- und Religionswissenschaften. Nach jahrelanger Arbeit für unterschiedliche Museen gründeten sie Anfang 2020 KUNST + kaviar. Sie sind der festen Überzeugung, dass Kunst kein elitäres Luxusprodukt sei und dass jeder Mensch Freude an Kunst haben kann. Gemeinsam widmen sie sich unterschiedlichen Themen, hinterfragen die häufig sehr männlich geprägte Kunstgeschichtsschreibung und versuchen auch die Menschen für Kunst zu begeistern, die sich nicht zum klassischen Museumspublikum zählen.