Sans Mots

Es ist mein Urlaub und ich kann mein Glück kaum fassen: Pünktlich zu meiner Ankunft in New York zeigt die Grimm Gallery Caroline Walkers Solo-Ausstellung The Holiday Park. Der Titel der Ausstellung, The Holiday Park, beschreibt den Ort an dem die Bilder entstanden sind und der durch die Gemälde reproduzieren wird. Ein Ort, an dem Erholung praktiziert, aber auch inszeniert wird und die Arbeit dahinter oft unsichtbar scheint. Wie schon in früheren Werkzyklen macht Walker die oft übersehene Fürsorgearbeit sichtbar – eine Arbeit, die größtenteils von Frauen verrichtet wird.

Walker, geboren 1982 in Dunfermline, Schottland, ist bekannt für ihre atmosphärisch dichten, großformatigen Gemälde, die Frauen in Momenten des Übergangs oder bei routinierten Tätigkeiten zeigen. Ihre Malerei bewegt sich zwischen Beobachtung und Inszenierung, Fotografie und Erinnerung, sozialer Dokumentation und persönlicher Reflexion. Mit The Holiday Park setzt sie ihre künstlerische Auseinandersetzung mit Care-Arbeit in einem neuen Kontext fort: dem scheinbar idyllischen Ferienresort. A setting that is artificial yet familiar, posed for the purpose of elevating the leisure of guests and minimising their perception of labour. 

Die Ausstellung zeigt Frauen in Uniformen, beim Putzen der Gästezimmer, beim Zubereiten von Speisen, bei der Kinderbetreuung.

Ein Bild zeigt eine Bademeisterin im Vergnügungsbad, deren Blick auf Gäste gerichtet ist, die in Whirlpools entspannen.

Auf anderen Bildern sind Frauen beim Abendprogramm zu sehen: Backstage, kurz vor ihrem Auftritt, beim Schminken und dann während der Aufführung aus der Perspektive der Zuschauenden, wo ihre Gesichter im Dunkel der Bühne verschwimmen und unkenntlich werden. Ihre Arbeit und Personen dahinter bleiben präsent und gleichzeitig anonym. Ihre individuellen Gesichter sind nicht mehr erkennbar.

Schon vor vier Jahren hatte ich erstmals eine Ausstellung von Walker gesehen, damals in Den Haag. Noch mitten in der Pandemie, sodass die Frauen auf den Bildern Masken trugen, genauso wie die Besucher:innen der Ausstellung dazu angehalten waren. Covid und Masken sind längst aus dem Alltag der meisten verschwunden. Reisen, Tourismus und alltägliches Vergnügen sind nicht mehr durch Corona-Maßnahmen eingeschränkt. Der Holiday Park spiegelt dies für mich einmal mehr wider.

Dort, wo andere genießen, andere ausruhen und pausieren, wo sie sich zurücklegen und dafür bezahlen, dort sind auch Hände, die nie ruhen. Blicke, die sich dem Betrachtenden entziehen. Frauen, die völlig in ihre Tätigkeit vertieft sind und gerade dadurch einer einfachen Lesbarkeit entgleiten.

… her family’s own experience as holidaymakers and (…)

a record of the smoothly choreographed work of the women who made their holiday possible.

Die Ausstellung selbst ist reduziert. Sie umfasst nur wenige großformatige Hauptwerke, ergänzt durch einige schwarz-weiße Skizzen, die im Untergeschoss zu finden sind. Und doch haben die Bilder mir, ohne Vorwissen, eindrücklich die Erfahrung Walkers vermittelt: Walker gelingt es, mit malerischen Mitteln eine stille, subtile Dringlichkeit zu erzeugen. Indem sie den Alltag von Care-Arbeiterinnen darstellt, regt Walker eindrucksvoll zur Reflexion an. Obwohl Care Arbeit die Grundlage dafür schafft, dass Menschen überhaupt unbezahlt und bezahlte Leistung ausführen können, fehlt es nach wie vor an ausreichender finanzieller, aber auch gesellschaftlicher Anerkennung. 

Während Care Arbeit vor allem im Kontext von Familien, Pflege und Betreuung diskutiert wird, beschäftigt sich die Ausstellung Holiday Park mit Care Arbeit im Bereich der Erholung. Denn auch ausreichend Erholung beeinflusst maßgeblich das Wohlbefinden und die Gesundheit.

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Leni hat ihren Bachelor und Master der Ökotrophologie in Gießen und Bologna absolviert. Aktuell promoviert sie in Dresden. Neben Essen und Italien, liebt sie den Sommer, die Natur und ihren Hund Ugo. In ihrer freien Zeit verliert sie sich gerne in Büchern oder auch schnell mal in eigenen Gedanken. In ihren eigenen Texten setzt sie sich oft mit alltäglichen Erfahrungen und Beobachtungen auseinander. Denn gerade diese sind es, mit denen Beziehungs- und Gesellschaftsstrukturen aufgezeigt werden können.

Mehr von Lenis Texten könnt ihr hier lesen.

Ich betrachte die Bilder in Caroline Walkers Ausstellung Windows, die vom 28. August 2021 bis 28. November 2021 im Kunstmuseum KM21 in Den Haag zu sehen war. Den Titel ihrer ersten Solo-Ausstellung erklärt die schottische in London lebende Künstlerin (geb. 1982) wie folgt:

“The window has been a motif in my work for at least ten years or so. Primarily it’s a compositional device that literally frames what I want a viewer to look at. In a lot of my paintings there’s always something you have to look through or past to get to the subject of the work. You’re almost like a voyeur I suppose, looking in on others lives.”

So ist auch das Leitmotiv der Ausstellung das Fenster: „a classic motif in art, which also serves as a metaphor:

"the painting as a window on the world or a window as a reflection of reality.”

Einige der Bilder bieten nicht nur metaphorisch, sondern tatsächlich einen (Ein-)Blick durch ein Fenster in das Leben der dargestellten Frauen. Denn diese sind es ,mit denen sich Walker auseinandersetzt. Die 20 Bilder sind eine Einladung innezuhalten und zu reflektieren, wie wir auf andere Menschen und insbesondere Frauen blicken. 

Zunächst fällt es mir gar nicht auf, dass die Frauen auf den Bildern Masken tragen, so sehr ist die Pandemie bereits zur alltagsgestaltenden Normalität geworden. Ein anderes Bild zeigt Walkers Nachbarin, die mit ihrem Hund während des Lockdowns zu Beginn der Pandemie spazieren geht. Das Bild macht die Enge und Begrenzung, die vor allem Stadtwohnungen mit sich bringen, sichtbar und zugleich erfahrbar. 

In einem Interview weist Walker explizit darauf hin, dass die Pandemie einmal mehr gezeigt hat, dass Berufe, in denen vorrangig Frauen arbeiten, essentiell sind: Carearbeiter:innen wie Krankenpfleger:innen oder Erzieher:innen aber auch Verkäufer:innen. Sektoren, die weiblich dominiert sind, in denen zugleich prekäre Arbeitsverhältnisse herrschen waren jene, die die Versorgung in der Pandemie sichergestellt haben und dies nach wie vor tun.

So spiegeln Walkers Bilder nicht nur die aktuelle Corona-Pandemie wider, sie dokumentieren die Rolle der Frau in der Gesellschaft. 

Denn bereits vor der Pandemie hat sich Walker insbesondere mit Frauen und ihrer Arbeit auseinandergesetzt. Anders ausgedrückt der frauenspezifischen Arbeit. Insbesondere seit 2016 inszeniert Walker ihre Bilder nicht mehr, sondern hat einen dokumentarischen Stil entwickelt. So besuchte sie bewusst Frauen in ihrer (Arbeits-)Umgebung und lernte sie persönlich kennen, bevor sie ihre Portraits anfertigte. 

Aus dieser Serie stammen beispielsweise die Bilder einer geflüchteten Frau, in ihrer neuen, eigenen Unterkunft. Ebenso wie jenes einer Putzkraft in einem Hotel. In einem Interview erzählt sie, wie sie sich während des Malprozesses dem Privileg, das sowohl ihre Mutter als auch sie selber haben, bewusst geworden ist. Während die vorigen Generationen an Frauen ihrer Familie selbst als Putzkräfte gearbeitet haben und für das Putzen fremder Häuser bezahlt wurden und zusätzlich noch unbezahlt das eigene Haus geputzt haben, müssen ihre Mutter und sie nicht mehr gegen Bezahlung fremde Häuser putzen. So finden sich in der Ausstellung auch sehr persönliche Bilder, in denen Walker ihre Mutter, Schwester sowie ihre eigene Tochter in ihrer häuslichen Umgebung zeigt.

Während einige von Walkers Bildern eine bewusste Beschäftigung mit einzelnen Personen darstellen, sind andere eine voyeuristische Momentaufnahme.

Es sind Blicke in Friseursalons oder ein Hochzeitsmodegeschäft, die Walker realisiert. Spannend ist der Kontrast der realen Frauen und den Modepuppen und Werbeanzeigen, in denen Frauen dargestellt werden. Während es im echten Leben passieren kann, sich in medialen Illusionen idealisierter Frauen zu verlieren, passiert es mir mit Walkers‘ Bilder nicht. Im Gegenteil, gerade dieser Kontrast lässt mich mit den echten, nicht unbedingt idealtypischen Frauen sympathisieren. Jene sind es mit denen ich mich identifizieren kann und auch will.

Caroline Walker gelingt es mit ihren Bildern nicht nur die häufig als unsichtbar bezeichnete Arbeit, welche vorrangig von Frauen erledigt wird, sichtbar zu machen. Sie schafft es auch, mich dazu anzuregen, mich mit den Frauen auseinanderzusetzen. Mich zu fragen, wer sie sind, ganz unabhängig von der Arbeit, die sie auf den Bildern teilweise verüben. Wovon träumen sie genau in diesem Moment? Worüber unterhalten sie sich? Was ist ihre individuelle Geschichte?

Es gelingt Walker, also nicht nur Arbeit sichtbar zu machen, die häufig verborgen bleibt oder bewusst nicht gezeigt wird, sie gibt dieser Arbeit Gesichter.

Statt der Dienstleistung steht das Individuum im Vordergrund, mit welchen die Bilder einladen zu sympathisieren. 

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Leni lebt aktuell in Frankfurt, von wo aus sie ihren Master in Ökotrophologie beendet. Zuvor hat sie anderthalb Jahre in Bologna gelebt und studiert. Neben Essen und Italien, liebt sie den Sommer und die Natur. In ihrer freien Zeit verliert sie sich gerne in Büchern oder auch schnell mal in eigenen Gedanken und Grübeleien. Ihre aktuelle Obsession ist Sally Rooney. In ihren eigenen Texten setzt sie sich oft mit alltäglichen Erfahrungen und Beobachtungen auseinander. Denn gerade diese sind es, mit denen Beziehungs- und Gesellschaftsstrukturen aufgezeigt werden können.

Viele Menschen fragen uns, wieso es so wichtig ist über Kunst nachzudenken, von ihr zu lernen und vor allem über sie zu sprechen. Ob es denn nicht ein „unnötiges Luxusgut“ sei, vorbehalten für all die, die „keine anderen Probleme hätten“? Kommt Euch das bekannt vor? Mit den gleichen Worten wird oft argumentiert, wenn es in der öffentlichen Diskussion um mentale Gesundheit geht.

„Ah, etwas zusammenreißen und weiter geht’s. Anderen geht es schlechter und ich kann es mir nicht leisten mich mit meinen „Luxusproblemen“ zu beschäftigen.“ - Wer hat diese oder ähnliche Gedanken nicht schon einmal gehört oder sogar selbst gehabt? Wieso fällt es uns so verdammt schwer über mentale Gesundheit zu sprechen? Wieso ist dieses Thema für viele Menschen immer noch immer noch „ungreifbar“ oder gar eine Art Tabuthema? Und wieso gehen wir häufig davon aus, dass dieses Thema, ähnlich wie die Auseinandersetzung mit Kunst, nur ein unnötiges Luxusgut ist?

Bevor wir vor 23 Jahren nach Deutschland kamen, hatten wir wenig, oder besser gesagt nichts, mit Kunst zu tun. Hier in Deutschland fand Anjelika schnell ihren Weg ins Museum und damit auch ins Studium der Kunstgeschichte. Auch wenn zunächst weniger freiwillig, folgte Karina in die Ausstellungshäuser und lernte schnell, Kunst zu sehen und zu lieben. Aus unserer persönlichen Erfahrung wissen wir, dass wir Kunst brauchen, um das innere Gleichgewicht zu erlangen. Manche gehen in den Bergen wandern, wir gehen ins Museum. Das innere Loslassen, das wertfreie Betrachten, die stille Freude und das überkommende Glücksgefühl kennen wir in dieser Intensität ausschließlich aus der Begegnung mit Kunst. Wieso zieht es uns also in Zeiten mentaler Erschöpfung zur Kunst? Ist es eine persönliche Präferenz oder belegbare Tatsache?

Tatsächlich ergeben Studien, dass regelmäßige Museumsbesuche enormen Einfluss auf die Lebensdauer und Lebensqualität haben.

Es wurde nachgewiesen, dass der Besuch von Kunstausstellungen und ähnlichen Veranstaltungen Risiken unterschiedlicher Krankheiten einschränkt und die Sterblichkeitsrate bei Erwachsenen senkt. Die Forschung legt sowohl neurologische und psychologische Studien vor, die alle den Einfluss von Kunst auf das Wohlbefinden der Menschen belegen. Dies bedeutet also, dass sich Kunst sowohl auf den Geist als auch auf den Körper der Besuchenden auswirkt.

Natürlich schleppen wir uns bei einer Grippe nicht ins Museum, aber wenn wir wieder mal aus der Mitte fallen, Zweifel hegen und nicht mehr weiterwissen, gehen wir in eine Ausstellung. Kunst ist unsere Therapeutin, die uns weiterhilft. Aber jede:r, der schon einmal in Therapie war, weiß dass es auch unangenehm werden kann.

Ähnlich wie eine Therapie muss und soll Kunst nicht immer schön und beruhigend sein. Würden wir uns immer nur an der seichten Oberfläche bewegen, könnten wir nie in die Abgründe schauen, die hinter der stillen Schönheit lauern.

Häufig erleben wir bei unserer Arbeit mit Gruppen, dass Besucher:innen davon getriggert werden. Ein und dasselbe Werk kann bei verschiedenen Betrachter:innen unterschiedliche, ja gegensätzliche Reaktionen auslösen.

Das großformatige Gemälde von Rupprecht Geiger in grellen Rot – Pink- und Orangetönen stellt für die meisten Besucher:innen der Neuen Galerie in Kassel etwas durch und durch Positives dar: ein Sonnenuntergang, Wärme, Licht, Hoffnung. Dennoch gibt es Besucher:innen, die das Bild nicht ansehen können, da es für sie zu viel, zu intensiv, zu brutal oder gar hässlich ist.

„Was sich der Künstler dabei gedacht hat“ ist nebensächlich und die Reaktion des Publikums auf sein Werk liegt außerhalb seiner Kontrolle. Das Erleben eines Kunstwerks macht etwas mit uns und unserer Psyche. Ob wir es wollen und uns zugestehen, oder nicht. Selbst wenn wir eigentlich keine Lust auf einen Ausstellungsbesuch haben, uns dabei langweilen oder den ausgestellten Künstler blöd finden, löst es in uns eine Reihe psychischer und emotionaler Reaktionen aus. Während einer Führung erwähnte eine Dame kürzlich, dass sie die zeitgenössische Kunst rasend machen würde. Sie nannte einige Gründe für ihr Empfinden und gab die Frage an uns zurück. Wie stehen wir zu zeitgenössischer Kunst? Aber die einzig relevante Frage ist doch, wieso sie von ein wenig Farbe auf Leinwand aus ihrem Gleichgewicht gebracht wird? Wem gilt ihre Wut wirklich?

Dass die Kunst Menschen nicht nur entzückt, sondern auch Unbehagen bereitet, ist nicht neu und keineswegs ein Phänomen der zeitgenössischen Kunst. Die Moralisten regten sich damals wie heute über die Zügellosigkeit mancher Sujets auf. Viel härter und lauter fiel die Kritik aus, wenn ein Werk nicht auf Anhieb verstanden wurde.

Edward Munchs „Der Schrei“ von 1893 gilt heute als Ikone der Moderne. Sein zutiefst sensibles Werk berührt Menschen auf der ganzen Welt und ist gleichzeitig Teil der heutigen Popkultur, das auf Memes, T- Shirts und Postern in der ganzen Welt zu sehen ist. Dabei malte Munch häufig nichts anderes als seine eigene Realität. Von Jung an war er mit den belastenden Zuständen, innerer Zerrissenheit, ständigen Selbstzweifeln und Depression bestens vertraut.

Dies und nichts anderes übertrug er in grellen Farben und expressiven Formen auf die Leinwand. Ein Mensch, von dem archaischsten aller Gefühle geplagt – der Angst. Munchs Genie und „Verbrechen“ bestand darin, dies nicht unter dem „schönen Schein“ zu verbergen, sondern das Innerste nach Außen zu kehren und zur Schau zu stellen. Was daraus wurde, kann man erahnen.

Die erste Munch-Ausstellung in Berlin (Munch Fall, 1892) verursachte den größten Skandal, den die Kunstwelt in Deutschland bis dahin erlebt hatte. Im untergehenden Kaiserreich mit der „alles unter den Teppich kehren“-Mentalität war seine „schonungslose Kunst“ zu viel. In jener Zeit, in der das Innenleben mit aller Gewalt unter Verschluss gehalten und das Abweichen von der vorgeschriebenen Norm als krankhaft gedeutet wurde, wollte und konnte ein Großteil die Werke des Künstlers nicht sehen.

Damals, als die Erforschung der menschlichen Psyche noch in Kinderschuhen war, legte Munch den Grundstein für die Künstler:innen, die fortan ihr Inneres nach außen kehren würden.

Zu seinen Lebzeiten war das Publikum noch nicht darauf vorbereitet. Beim Betrachten Munchs düsterer Bilder schien das längst Verdrängte jedes Einzelnen an die Oberfläche zu kommen und man hielt es schier und einfach nicht aus. Zu groß war die Gefahr den eigenen inneren Dämonen zu begegnen. Die Ausstellung wurde zu einem ungeheuren Skandal und nach nur einer Woche geschlossen.

Aber mal ganz ehrlich: Waren es wirklich die Malweise, das Sujet oder der Farbauftrag, die das Publikum, die Kunstkritiker oder Malerkolleg:innen so wütend machten? Ob in der Kunst oder im täglichen Dasein sollten wir uns öfter die folgende Frage stellen: Warum macht mich ein schwarzes Gemälde, ein Fettfleck, die entstellte Skulptur, eine Performance traurig, sauer oder wütend? Liegt es WIRKLICH an dem was ich sehe, oder an dem was ich in mir nicht sehen will? Denn am Ende gilt: Ob im Museum oder in der Therapie, im Grunde genommen begegnen wir immer wieder nur uns selbst.

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Anjelika und Karina sind Mutter und Tochter, Kolleginnen aber vor allem begeisterte Kunsthistorikerinnen. Neben Kunstgeschichte studierte Anjelika Soziologie und Psychologie und Karina Vergleichende Kultur- und Religionswissenschaften. Nach jahrelanger Arbeit für unterschiedliche Museen gründeten sie Anfang 2020 KUNST + kaviar. Sie sind der festen Überzeugung, dass Kunst kein elitäres Luxusprodukt sei und dass jeder Mensch Freude an Kunst haben kann. Gemeinsam widmen sie sich unterschiedlichen Themen, hinterfragen die häufig sehr männlich geprägte Kunstgeschichtsschreibung und versuchen auch die Menschen für Kunst zu begeistern, die sich nicht zum klassischen Museumspublikum zählen.

Als Amanda Gorman die Bühne betritt, um ihr Gedicht für die Amtseinführung von Joe Biden zu rezitieren, denke ich: Wow, es blendet mich. Und damit meine ich nicht ihren gelben Prada-Mantel. Leider schaue ich die Amtseinführung auf einem deutschen Sender, der simultan übersetzt. Und so ahne ich nur, dass Amanda Gorman in diesen Minuten Welt verändernde Sätze spricht. Die Übersetzung ist eine Katastrophe und ich bin leicht gereizt.

Ich will hören, was sie meint, weil ihre Gesten so viel sagen. Mir treibt es die Tränen in die Augen als ich einzelne Passagen des Gedichts höre, das ich mir später im Internet mindestens drei Mal anschaue. Ich liege also nachts im Bett, überemotionalisiert von historischen Bildern des Tages, suche ich ihren Instagram-Account auf und sehe, sie hat schon 400.000 Follower:innen. Wie konnte sie an mir vorbeigehen, frage ich mich. Endlich hat sie die Bühne betreten und tritt durch eine unsichtbare Tür in die Köpfe von Millionen Menschen ein. Am nächsten Morgen spült mir ihre Instagram-Story den Sand aus den Augen, sie sagt, ihre App sei überlastet und sie hat über Nacht unzählige Unterstützer:innen gewonnen. Kein Wunder.Ihr Gedicht “The Hill We Climb” schlägt ein wie eine Bombe und bringt für einen Moment den Frieden, den die Vereinigten Staaten von Amerika so ersehnen. Wer ist diese Person, die wie ein Wirbelwind das Land und seine Gemüter durcheinander und den Sturm der letzten Tage zum Schweigen bringt?

Amanda Gorman ist 23 Jahre alt. Sie hat in Harvard einen Bachelor in Soziologie abgeschlossen und war 2017 ‘National Youth Poet Laureate’, sozusagen Preisträgerin des nationalen Jugenddichterpreises. Aufgewachsen ist sie in Los Angeles als eine von Zwillingsschwestern einer alleinerziehenden Mutter. Für die Zuhörer ist sie aus dem Nichts ins Rampenlicht getreten. Insgeheim gehört es aber seit Jahren zu ihrem Anspruch, dass sie nur Gedichte für die Öffentlichkeit schreibt, die so gut sind, dass sie dadurch als Poetin für eine Amtseinführung in Betracht gezogen werden könnte. Quod erat demonstrandum.

Seit Jahren verfolgt sie einen weiteren Plan: “Sobald ich alt genug bin, kandidiere ich als Präsidentschaftskandidatin für die Vereinigten Staaten von Amerika.” Sie will für die Demokraten antreten, for sure. Alt genug dafür wird sie 2033, die nächste Wahl findet 2036 statt, dann ist sie 38 Jahre alt, halb so alt wie Joe Biden heute. Obwohl es seine Amtseinführung als 46. Präsident der USA war, ist es ihr Auftritt über den danach die westliche Welt spricht.

Es ist der Sturm auf das Kapitol Anfang Januar 2021, unter dessen Eindruck sie das Gedicht schreibt und mit dem sie in die Geschichtsbücher eingeht. Bei CNN erklärt sie, die Ereignisse des 6. Januar hätten das Gedicht inhaltlich aber kaum verändert, weil sie von den Geschehnissen nicht wirklich überrascht gewesen sei. Kein Monat nach den unvergesslichen Szenen wird sie selbst zum Symbol auf dem Kapitol:

“I’m still struggling with the fact that I entered the historical record.”

Seit der Inauguration sind ihre noch unveröffentlichten Bücher auf der Bestsellerliste von Amazon in Nordamerika, darunter ihr Inauguration-Gedicht, das diese Woche (30.03.2021) auch in Deutschland erscheint. In Europa wird gerade darüber debattiert, ob die Übersetzung ihrer Werke von nicht-schwarzen Personen vorgenommen werden darf. Ende offen.

Es ist ein regelrechter Medien-Hype entstanden: “Time”-Magazine Cover mit Interview, exklusiv geführt von Michelle Obama; ein Modelvertrag bei IMG; Video-Auftritte in Talkshows und in einem AppleTV+ Format mit Oprah Winfrey. Mehr noch, Passagen ihres berühmten Gedichts stehen auf Klassenzimmertüren als Inspiration für Schulkinder quer durch die USA; sie trug ein Gedicht beim Super Bowl vor, das drei Alltags-Held:innen und deren Verdienst in der Pandemie ehrt. Nicht nur ihr optischer, sondern auch ihr virtueller Auftritt versprüht so viel Kraft und Auftrieb, dass einem beim Zusehen schwindelig wird.

Während sie verehrt wird, verfolgt sie hehre Ziele:

Sie sieht sich in der Tradition des ‘Civil Rights Movements’ der 1960er Jahre, bei dem die Protestierenden nur in Sonntagskleidung auf die Straße gingen und will diese Haltung und Mode im Jetzt neu interpretieren und weiterentwickeln. In völligem Bewusstsein ihrer Außenwirkung, das keinen Zufall zulässt, nimmt sie auf dem Cover des “Time”-Magazine Stil und Pose ein, die an italienische Porträts der Renaissance erinnern.

Im “Time”-Interview spricht sie über eine Renaissance der Künste, die Schwarz ist:

“The Renaissance is black.”

Sie meint damit die Entwicklung der US-amerikanischen Gesellschaft unter dem Einfluss und der gleichberechtigten Teilhabe Schwarzer Menschen und PoC, vor allem geprägt durch deren Kunst und dem damit verbundenen Ausdruck Schwarzer Lebensrealität. Sie selbst beschreibt sich als Konsumentin dieser Künste und gleichzeitig absorbierende Schaffende im selben Kreislauf. Diese neue Renaissance wäre die dritte Schwarze Renaissance nach der ‘Harlem Renaissance’ der 1920er und des ‘Black Arts Movements’ der 1960er und 1970er Jahre, in der Schwarze Künstler:innnen und Medienschaffende unabhängig vom weißen Blick sind und diesen auch nicht mehr bedienen wollen. Es ist eine ideale Vorstellung und höchste Zeit, dass die weiße Realität mitzieht.

In einem flankierenden Video zu diesem Interview erzählt Amanda Gorman, auf Selfies mit Freund:innen zu verzichten, damit die Öffentlichkeit keine Bilder von ihr bekommt, die ihr eines Tages schaden könnten. Sie kann Tage sehen, von denen wir nicht wussten, dass sie kommen werden. Sie hat ein Selbstbewusstsein, das vielen abgeht, die mindestens doppelt so alt sind und weit mehr Verantwortung tragen. Ihre Haltung und ihre Präsenz werfen ein Licht und eine Erwartung auf eine Generation, die für mehr als die Hoffnung steht, welche auf derselben lasten wird.

Amanda Gormann lässt Amerika wieder träumen, während sie auf dem Weg ist, ihren eigenen American Dream zu verwirklichen. Sie verleiht der Lyrik ein zeitgenössisches Antlitz und verbreitet Hoffnung.

We are striving to forge our union with purpose. To compose a country, committed to all cultures, colors, characters, and conditions of man. And so we lift our gaze, not to what stands between us but what stands before us.

Gleichzeitig leicht und doch schwer weisen ihre Wort einen Weg in die helle Zukunft, in der sie strahlt.

So let us leave behind a country better than the one we were left with. Every breath, my bronze-pounded chest. We will raise this wounded world into a wondrous one.

Sie gibt Halt.

Let the globe, if nothing else, say, this is true: That even as we grieved, we grew. That even as we hurt, we hoped. That even as we tired, we tried. That we'll forever be tied together, victorious.

Und ermutigt, den Fortschritt der Gesellschaft selbst in die Hand zu nehmen.

We will rebuild, reconcile and recover and every known nook of our nation. And every corner called our country. Our people diverse and beautiful will emerge, battered and beautiful.

Sie lädt uns alle ein, mit ihr im Licht zu tanzen.

For there was always light. If only we're brave enough to see it. If only we're brave enough to be it.

Und sie verspricht, bald wieder da zu sein wie ein alljährlicher Hurrikan. Let the season begin.

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Viola Stursberg lebt in Leipzig und hat Europäische Politik und Sozialwissenschaften an der Universität Osnabrück und an der MLU Halle studiert. Im Masterstudiengang International Area Studies spezialisierte sie sich auf Globalisierungsprozesse und forschte an der Nationalen Akademie der Wissenschaften Leopoldina zur Verbesserung von Kommunikation und Koordination wissenschaftsbasierter Politikberatung auf nationaler Ebene für die Umsetzung der Nachhaltigkeitsziele der Vereinten Nationen in Europa. Als Sternzeichen Krebs liebt sie den Sommer, besonders mit Matcha-Limo und Äbblwoi aus der unterfränkischen Heimat. Ihre beste Freundin sagt: „sie ist rational, aber großherzig.“ Viola arbeitet für eine Kommunikationsberatung in Berlin. Auf Sans Mots schreibt sie mit Herz und Haltung über Zeitgeistfragen und globale Phänomene.

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Zum Weiterlesen:

Link Homepage Amanda Gorman: https://www.theamandagorman.com/

Link zum Gedicht “The Hill We Climb”: https://edition.cnn.com/2021/01/20/politics/amanda-gorman-inaugural-poem-transcript/index.html

Link Bücher auf Amazon: https://www.amazon.de/s?k=amanda+gorman&__mk_de_DE=%C3%85M%C3%85%C5%BD%C3%95%C3%91&ref=nb_sb_noss_1

Link zum “Time”-Magazine Interview: https://time.com/5933596/amanda-gorman-michelle-obama-interview/

Das Video zur Geschichte hinter dem “Time”-Magazine Interview: https://time.com/5935798/amanda-gorman-cover/

Zum Weiterlesen “Time”-Magazin Black Renaissance: https://time.com/collection/renaissance-is-black/5932842/ibram-kendi-black-renaissance/

Zum Weiterlesen “Zeit Online Kultur”: https://www.zeit.de/kultur/literatur/2021-01/amanda-gorman-inauguration-joe-biden-usa-lyrik

Zum Weiterlesen “Zeit Online Literatur”: https://www.zeit.de/news/2021-03/26/uebersetzungsdebatte-um-amanda-gormans-gedichte

Zum Weiterlesen FAZ zum 55. NFL-Super Bowl-Auftritt: https://www.faz.net/aktuell/feuilleton/super-bowl-amanda-gorman-ehrt-corona-helden-mit-gedicht-17187305.html

Ich bin tief in ein „Schitt’s Creek“-Bingewatch-Loch gefallen, als sich Alexis und ihre Mutter Moira in Staffel 3 Folge 2 besser kennenlernen möchten. Es werden Standardfragen von einem Notizzettel ausgetauscht, schließlich fragt Alexis: „What is your favorite season?“ worauf Moira kurz überlegt, dann „Awards“ antwortet. Cut. Ich lache lauter, als es für einen allein wohnenden Menschen um eine abendliche Uhrzeit angemessen ist. „Das bin ich“ denke ich.

Während Deutschland auf dem Feld immer enttäuschender wird, konnte ich mich bisher zumindest immer auf die internationalen Formate verlassen. Golden Globes, die Oscars, BAFTAs, BRITs und und und. Atemraubende Kleider, herzerwärmende Zusammenkünfte der Celebrity Crushes und Auftritte, über die man (also ich) noch Jahre sprechen wird. Das ist in Zeiten von Corona nicht mehr allzu spektakulär, reizen tut es mich dennoch.

Am 14. März (nachdem es ursprünglich Ende Januar soweit sein sollte) wird die Musikwelt zum 63. Mal auf’s sonnige Los Angeles schauen, wo in inzwischen 84 Kategorien ein goldenes Grammophon verliehen wird. Hachja, die Grammys. Fluch und Segen zugleich. Schillernd auf dem roten Teppich, unter den man Jahr um Jahr die Probleme und kritischen Stimmen kehrt.

BLINDED BY THE LIGHTS

In den 52 Wochen, die zwischen zwei Grammy Verleihungen liegen, erscheinen an 52 Release Freitagen eine unfassbare Menge neuer Songs, Alben und Newcomer. Beschränkt man sich auf die großen popkulturellen Kategorien, landen wir bei ca. 20, in denen zwischen 5 und 8 Plätze vergeben werden können.

Ein minimaler Bruchteil des Musikuniversums mit maximaler Aufmerksamkeit. Und auch wenn nicht alle Lieblingskünstler*innen auf die wenigen Spots verteilt und geehrt werden können, so malen Pressechos, Streamingzahlen, Verkaufshochrechnungen und universelle Liebe theoretisch ein gutes Vorabbild. Die Betonung liegt hier auf dem Wort „theoretisch“. Denn Jahr und Jahr wird der Aufschrei wenige Minuten nach Bekanntgabe der letzten Shortlist laut. Sogenannte „Artist Snubs“ sind quasi der Running Gag der Grammy-Jury.
In seiner sanften Form sind umjubelte Künstler*innen für etliche Kategorien nominiert und die Buchhalter*innen mit jeder Menge Wettscheinen belagert – wacht man am nächsten Morgen auf und googlet die Gewinner*innen, ist vom besagten Artist allerdings kein jubelndes, Award-küssendes Foto zu finden. Berühmte Beispiele sind Mariah Carey (1996 - 6 Nominierungen), Beyoncé (2017 - 3 Nominierungen für „Lemonade“), Kanye West (2012 - „My Beautiful Dark Twisted Fantasy“ gewann zwar Best Rap Album, war aber zum Entsetzen vieler nicht für Album of the Year nominiert).

In härteren Fällen werden Künstler*innen zu wenig oder gar nicht berücksichtigt. Wie Frank Ocean, der 2017 für sein herausragendes Album „Blonde“ keine einzige Nominierung erhielt. Doch nie war es offensichtlicher als jetzt: The Weeknd, der Ende 2019 seine Single „Blinding Lights“ veröffentlichte und damit eigenhändig den Disco Pop zurückbrachte, TikTok in seiner ersten Quarantäne-Hochphase (ebenfalls enthalten: Tiger King, Bananenbrot und Hoffnung) mit einer fancy Tanzperformance überrollte und jeden, wirklich jeden Tag mehrfach im Radio lief, ist für keine einzige Kategorie nominiert. KEINE. EINZIGE. So nervig der Song auch ab ca. Mitte Mai wurde, so essenziell war er für das Jahr 2020, so überraschend prägend für den musikalischen Konsens. Peinliche Erklärungsversuche von CEO Harvey Mason jr. hat das Variety Magazine in einem Interview erhalten. 

I’M DREAMING OF THE WHITE GRAMMYS

Die Grammys haben, surprise surprise, ein Rassismusproblem. Wundert uns das in einer von weißen, privilegierten Cis-Männern geführten Industrie? Nicht wirklich. Das Racial Bias-Problem des Awards hat sogar einen eigenen Wikipedia-Eintrag - shit’s real. Ringen sich die Herrschaften dazu durch, BIPoC-Künstler*innen zu nominieren, werden diese häufig mit Sub-Kategorien vertröstet. Tyler, The Creator fasste es 2020 perfekt zusammen, nachdem er für sein Album „IGOR“ den Preis für Best Rap Album gewann:

"It sucks that whenever we — and I mean guys that look like me — do anything that's genre-bending or that's anything they always put it in a rap or urban category. I don't like that 'urban' word — it's just a politically correct way to say the n-word to me.“ (Quelle)

Als wenige Monate später, ausgelöst von George Floyds Tod und der Black Lives Matter-Bewegung jede Institution kritisch hinterfragt wurde, nahm man sich hier die jahrelange Kritik halb zu Herzen und benannte eine Handvoll Kategorien um, aus wurde beispielsweise Best Urban Contemporary Album wurde Best Progressive R&B Album. Und damit sind alle Probleme gelöst? Wohl kaum.

Ann Powers von npr schrieb nach der weitestgehend unangenehmen Preisverleihung 2017, wie groß das Problem tatsächlich sei:

„Achieving the ideal of equality is provingas heartbreakingly difficult for the recording industry as it is for all of America.“

Und wie sieht es 2021 aus? Von acht Album of the Year-Nominierten sind sechs weiß. Puh, was soll man da noch sagen?! Schnell weiter. Die aktuell erfolgreichste Band der Welt, BTS, erhalten nach Jahren der Ignoranz ihre allererste Nominierung für ihren 2020-Überhit „Dynamite“, allerdings „nur“ in der Kategorie Best Pop Duo/Group Performance. Reiner Zufall, dass es der erste rein englische Song der K-Pop-Stars ist?

Oder der puertorikanische Künstler Bad Bunny, der in der selben Kategorie mit dem Song „Un Die (One Day)“ gemeinsam mit J Balvin, Tainy und Dua Lipa nominiert ist. Der Popstar dominiert seit Jahren die Latin Grammys und hat sich erst vor wenigen Wochen mit seinem zweiten Album in diesem Jahr auf Platz 1 der Billboard 200 Charts katapultiert – als erstes rein spanisch-sprachiges Album jemals. Solo bleibt Bad Bunny allerdings wieder irgendwo in die Latin-Kategorien vergraben, die im besten Fall nicht mal in der Fernsehübertragung gezeigt wird. Und ohne Dua Lipa, die in ca. jeder Kategorie nominiert ist, hätte es der Song kaum auf die Liste geschafft.

Bist du nicht weiß, musst du also mindestens komplett auf Englisch singen, um für die hochkarätigen Plätze beachtet zu werden. Und dir im besten Fall noch eines der großen Zugpferde schnappen. Egal, wie gut dein Jahr war und wie international deine Fanbase ist. Währenddessen heulte Justin Bieber übrigens am Tag des Shortlist-Reveals rum, dass sein Album „Purpose“ fälschlicherweise für die Pop- und nicht die R&B-Kategorien nominiert wurde. Justin, check your privilege. 

THE BOYS CLUB

Festival-Line-Ups mit rund 100 Bands, von denen 3 weiblich besetzt sind. Fragende Gesichter bei der Verleihung der BRIT Awards Anfang diesen Jahres, als männliche Künstler peinlich berührt einen Preis nach dem anderen abholen mussten und kritisierten, dass zu wenige Frauen nominiert wären. Als ich in diesem Sommer für THE MELLOW MUSIC die Popkünstlerin FLETCHER interviewte, sagte sie etwas, das die Branche für mich in ein anderes, klareres Licht rückte: „Das System wurde von und für weiße Männer geschaffen. Und so funktioniert es dann. Das System ist nicht kaputt – es funktioniert genau so, wie es designed wurde.“

Hin und wieder gibt es dann doch kurze, mutmachende Meldungen. Zum Beispiel, als für die jahrzehntelang männlich dominierte Kategorie Best Rock Performance 2021 ausschließlich Frauen nominiert wurden. Das war ein so besonderes Ereignis, dass direkt tiefgetroffene Männer das Wort „Sexismus“ ins Internet schreiben mussten. Kannste dir nicht ausdenken.

DAS DUGAN-GATE

Wenige Tage später lächeln euphorische Stars in große Kameras und baden im Blitzlichtgewitter. Über Deborah Dugan spricht im Staples Center in Los Angeles – ja, richtig – niemand. Keine Proteste auf dem roten Teppich, keine entbrannten Wutreden bei der Preisübergabe, kein Zuhause bleiben aus Solidarität. Nichts. Am 02. März 2020 wird sie offiziell entlassen. Der neue CEO ist natürlich wieder ein Mann, wir sind hier schließlich bei den Grammys. 

FAZIT

Wieso die Grammys nicht einfach neumodisch gecancelt werden? Für Künstler*innen sind Grammy-Nominierungen und -Gewinne ein Karrierehighlight, ein Qualitätssiegel für das sowieso schon gute Jahr und hier und da auch Sprungbrett für die nächste Stufe auf der Karriereleiter. Was bedeutet, dass viele der Nominierten gegeißelt vom Druck, der auf diesem Preis liegt, lieber peinlich berührt wegschauen, als sich selbst ans Messer zu liefern. Was uns übrig als passive Zuschauer*innen bleibt, ist, solche Institutionen und Systeme kritisch zu konsumieren. Probleme und Kritik nicht auszublenden, sondern sich bewusst damit auseinanderzusetzen. Und zu hoffen, dass zumindest die Verleihung selbst nicht eine weitere misogynweiße Katastrophe wird. 

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Anna ist ein Ruhrpottkind, das es irgendwann ins malerische Wuppertal verschlagen hat. Nach ihrem Germanistik- & Politikwissenschaftsstudium an der HHU ist sie schlussendlich doch dort gelandet, wo sie immer hinwollte: Die Eventbranche. Dort politiert sie seit 5 Jahren als kreative Konzeptionerin dröge Themen auf. Nach einem Glühwein im Winter 2017 gründete sie mit Freund*innen außerdem den Musikblog THE MELLOW MUSIC, auf dem sie sich mit ihren Lieblingskünstler*innen unterhält und in zu vielen Reviews schreibt, dass Bon Iver’s „22, A Million“ einen Einfluss hatte. In ihrer Freizeit liebt Anna Popkultur ebenso sehr wie lange Spaziergänge, die koreanische Küche, Harry Styles und Fashion Week-Fachgesimpel. Ihr größter Traum ist es, irgendwann einmal in London zu leben und kitschige Romane zu schreiben. Und dass ihr Birth Chart sehr genau mit ihrem Myers-Briggs-Typen übereinstimmt, kann kein Zufall sein. 

"Ich war damals schon über zehn Jahre Strafverteidiger, aber erst dort im Kino habe ich zum ersten mal ganz verstanden, was Schuld eigentlich ist. Die Psychologen und Psychiater sagen, es gebe keine Schuld, sie denken, solche Sätze würden helfen, und vielleicht tun sie das auch. Aber es stimmt nicht. Wir werden schuldig, an jedem einzelnen Tag."

"Wir müssen verstehen, wie wir wurden, wer wir sind. Und was wir wieder verlieren können. Als sich unser Bewusstsein entwickelte, sprach ja nichts dafür, dass wir einmal nach anderen Prinzipien handeln würden als unsere Vorfahren, die Affenmenschen. Wäre es nach den Regeln der Natur gegangen, hätten wir unsere erweiterten Fähigkeiten dazu benutzt, die Schwächeren zu töten. Aber wir taten etwas anderes. Wir gaben uns selbst Gesetze, wir erschufen eine Ethik, die nicht den Stärkeren bevorzugt, sondern den Schwächeren schützt. Das ist es, was uns im höchsten Sinn menschlich macht: die Achtung vor unserem Nebenmenschen."

Vor wenigen Menschen habe ich so viel Respekt wie vor dem so hochgradig intelligenten und doch bescheidenem Schriftsteller, der von sich selbst sagt, er habe keine sonderliche Begabung darin, glücklich zu sein. Als ich vor wenigen Wochen in Düsseldorf eine seiner Lesungen im Schauspielhaus besuchte, war ich vollkommen überwältigt von den klugen Worten dieses Mannes und war nur noch beseelter, als ich mich traute, mit ihm zu sprechen und mein Buch von ihm signieren zu lassen. Fast schon zu viel, denke ich manchmal. Kennt noch jemand diesen Gedanken, dass es Menschen gibt, die man für sich so sehr auf ein Podium erhebt, dass es sich fast falsch anfühlt, dass man ihnen nahe kommt? Weil Welten aufeinandertreffen, man sich ansieht und von Schirach ebenso mich, wie ich ihn, er über einen Witz lacht, den ich mache, er sich bei mir bedankt, bevor ich mich bedanken kann. Surreal irgendwie. Für mich jedenfalls.

"Die langsamen Tage meiner Kindheit, der Rauch der Zigaretten meines Vaters, das Bernsteinlicht der weichen Sommerabende – diese Welt ist nur noch in mir", schreibt er genau so schmerzlich leicht wie "Aber der Natur, dem Leben, dem All, bedeuten diese Begriffe nichts. [...] Ist es nicht möglich, dass wir uns irren? Wir wissen es nicht. Wir müssen uns also damit abfinden, dass es genauso töricht ist, zu sagen, das Leben habe einen Sinn, wie das Gegenteil."

Mit Referenzen auf Frost ("The woods are loverly, dark, and deep, / But I have promises to keep, / And miles to go before I sleep, / And miles to go befire I sleep."), Godard, Kästner ("Die Vergangenheit muss reden, und wir müssen zuhören. Vorher werden wir und sie keine Ruhe finden.") Eichendorff ("Wir sehnen uns nach Hause. / Und wissen nicht, wohin?"), Sokrates, Hemingway und Camus trifft von Schirach mit jedem Zitat, mit nahezu jedem Gedanken, verwundbare Stellen in der eigenen Gedankenwelt und lässt einen durch seine Präzision und Vielschichtigkeit schweigend zurück. "Kaffee und Zigaretten" wanderte lange in meiner Tasche, obwohl ich es längst bis zum letzten Satz gelesen hatte, war in meinem Koffer nach Dänemark dabei und als Geschenk auch nach Krakau. Das klügste, grandioseste, faszinierendste und traurigste Buch, das ich in den letzten Jahren gelesen haben.

Luchterhand Verlag

„Im Endeffekt sind es Einblicke in die Welt, die man vielleicht auch mal erhaschen könnte, wenn man mit offenen Augen durch die Stadt geht. Schnipsel aus meinen neun Monaten in Amerika. Vor allem aus San Francisco, weil diese Stadt es mir in ihrer ganzen Verrücktheit und Offenheit angetan hat.“

„Für mich sind die Fotos vielleicht in der gleichen Art und Weise interessant, wie für andere Betrachter. Weil es auch für mich etwas Neues war, was ich fotografiert habe. Ich wollte das Aktive und Dynamische auf der Straße auffangen.“